От автора
Одной из традиций русской культуры является художественное образование. Оно обеспечивает историческую преемственность поколений и бережное отношение к историческому и культурному наследию.
В ряду дисциплин, изучаемых в художественной школе, не случайно много внимания уделяется курсу «История изобразительного искусства», ведь преподавание этого предмета направлено на всестороннее гармоничное развитие личности учеников, формирование их мировоззрения и духовных интересов. Ученики приобретают умение видеть прекрасное, различать, понимать, чувствовать и оценивать художественные произведения, учатся жить по законам красоты.
Учитывая все вышеперечисленное, педагог должен помнить о том, что изучение искусства требует специфического подхода. Контакт с произведением искусства будет плодотворным только тогда, когда оно захватило воспринимающего целиком, затронув и интеллектуальную, и эмоциональную, и волевую сферу личности. От педагога требуется большое искусство для достижения этой цели.
Предлагаемое учебное пособие является конспектным изложением некоторых тем курса «История изобразительного искусства», а точнее разделов «Искусство древнего мира», «Искусство Византии», «Средневековое искусство в Западной Европе».
Оно задумывалось автором в помощь освоения предмета учащимися вечернего отделения. Программа предмета «История изобразительного искусства» для вечернего отделения рассчитана на изучение за два года (64 академических часа). Вы держите в руках первую часть лекционного курса, состоящего из трех частей. Вторая и третья части содержат конспекты лекций от «Искусства эпохи Возрождения» до «Искусства XX века», включая раздел «Русское искусство».
При создании курса учитывалось, что большая часть групп вечернего отделения состоит из тех, кто не посещал художественную школу, то есть не имеет систематического художественного образования. Но, как правило, это талантливые, целеустремленные ребята, с четким пониманием необходимости заниматься и развивать свои способности для поступления в ССУЗы и ВУЗы. Лекции в доступной форме, достаточно кратко дают возможность, в том числе и самостоятельно, познакомиться с материалом курса. Каждая лекция имеет ссылку на подробную презентацию.
Раздел первый. Искусство Древнего мира
Лекция №1. Первобытное искусство
Живопись появилась гораздо раньше, чем литература и вообще письменность. Мы не знаем с какой целью создавались первые изображения. Можно лишь предположить, что доисторические рисунки, обнаруженные в пещерах по всему миру, являлись частью магических ритуалов. Самые древние из найденных созданы около 40000 лет назад в Индонезии и около 30000 лет назад в Европе и Австралии. Они нарисованы на стенах пещер.
Наскальная живопись в африканской пустыне Сахара - изображения жирафов, верблюдов, слонов и людей.
Древние наскальные рисунки называются петрограммами. Иногда смешанный с водой древесный уголь выдували через полые кости, обводя прижатую к стене руку. Порой руки опускали в уголь и прикладывали к стене. А еще делали оттиски рук в глине, которые получили называние «макароны».
Стены пещеры в Санта-Круз (Аргентина) покрыты узором из отпечатков и контуров мужских, женских и детских рук.
Первобытные художники использовали для рисования все, что было под рукой: палочки, камни, кости животных. Часто они рисовали пальцами. Уголь давал черный цвет, мел - белый, разные виды глины - коричневый, а кровь - красный. Материалы измельчались в порошок и использовались в сухом виде, либо в смеси с водой, слюной или животным жиром.
Некоторые из самых известных первобытных картин найдены на юго-западе Франции и севере Испании, в глубине пещер, где их мало кто мог увидеть. Это наводит на мысль, что древние люди рисовали не ради развлечения. Возможно, с помощью рисунков они привлекали удачу в охоте.
В темной пещере Пеш-Мерль на юге Франции лошади были нарисованы древним художником не с натуры, а по памяти.
Рисунки в пещере Альтамира в Испании были обнаружены в 1879 году археологом-любителем и его девятилетней дочерью. Рисунки повторяют естественную форму стен пещеры.
Подземная пещера со множеством наскальных рисунков была обнаружена в Ласко на юго-западе Франции в 1940 году. В Большом зале пещеры - сотни изображений лошадей, оленей, бизонов и быков. Этому шедевру первобытного искусства около 17000 лет.
Самыми древними скульптурными изображениями на сегодняшний день являются так называемые «палеолитические венеры» - примитивные женские фигурки. Они ещё очень далеки от реального сходства с человеческим телом. Всем им присущи некоторые общие черты: увеличенные бёдра, живот и груди, отсутствие ступней ног. Первобытных скульпторов не интересовали даже черты лица. Они создавали обобщённый образ женщины-матери, символ плодородия и хранительницы очага. Помимо женщин изображали животных: лошадей, коз, северных оленей и др. Почти вся скульптура выполнена из камня или кости. В пещере Моптеспан на территории Франции археологи нашли статую глиняного медведя со следами ударов копьём. Вероятно, первобытные люди связывали животных с их изображениями: они верили, что, «убив» их, обеспечат себе успех в предстоящей охоте.
Лекция №2. Древний Египет. Архитектура
Природа Египта - просторы неба и земли, огненный диск солнца, огромная, медленно текущая река Нил, от которой зависела жизнь, горы с плоскими вершинами, пальмовые рощи, заросли папируса и цветы лотоса - дарила искусству мотивы и формы, служила источником вдохновения. Все жители Древнего Египта обожествляли силы природы, растения, зверей, птиц и поклонялись множеству богов. А еще верили, что жизнь человека продолжается после смерти. Около 5000 лет назад египтяне стали создавать свой характерный стиль.
Искусство в Египте прославляло и обожествляло власть фараонов. Поэтому для них строили царские гробницы - грандиозные, сложенные из тесаных каменных глыб - пирамиды. Они словно вырастают из песков пустыни - колоссальные, величественные, подавляющие человека необычайными размерами.
Пирамида фараона Джосера в Саккаре - первый гигантский архитектурный памятник. Сложенная из белых известняковых блоков ступенчатая пирамида высотой шестьдесят метров воздвигнута зодчим Имхотепом, который изобрёл способ кладки из тёсаного камня. Египтяне обожествили архитектора и почитали его как сына бога Птаха - создателя Вселенной, покровителя искусств и ремёсел. В конструкции этой пирамиды отражены три основных принципа возведения подобных сооружений - гигантские размеры, пирамидальная форма, использование камня как строительного материала.
В Гизе, около Каира, возвышаются грандиозные пирамиды фараонов: Хеопса, Хефрена, Микерина. Пирамиды были когда-то облицованы гладко отполированными плитами белого известняка. Основание пирамид имеет форму квадрата, а гладкие грани образуют равнобедренные треугольники. Величайшая из них - пирамида Хеопса. Пирамида (высотой около 147 метров, со стороной основания 233 метра) сложена из блоков золотистого известняка весом от двух с половиной до тридцати тонн. Они удерживаются на месте силой собственной тяжести. Необъяснима даже в наше время та невероятная точность, с которой каменные блоки обрабатывались и ставились один на другой. Зазоры между ними не превышают полмиллиметра. На северной стороне пирамиды Хеопса неприметный вход ведёт в тесный, а затем более просторный коридор. Пройдя по ним, можно попасть в маленькую, тщательно скрытую в глубине пирамиды погребальную камеру с гранитным, давно опустошённым саркофагом фараона. Пирамиды в Гизе, как и в Саккаре, составляли центр огромного погребального ансамбля с поминальными храмами фараона и маленькими пирамидами царских родственников и приближённых, которые и после смерти правителя должны были находиться рядом с ним. Так в архитектурный ансамбль в Гизе входит знаменитый лежащий Большой сфинкс длиной 57 и высотой 20 метров - вырубленное в основной своей части из скалы изображение льва с человеческим лицом. Его лицо, некогда окрашенное в красный цвет, возможно имеет портретное сходство с фараоном Хефреном.
Просмотр видео из серии «Красивейшие памятники мировой архитектуры» - «Гиза и Саккара».
Величайшими сооружениями древнеегипетской архитектуры стали храмы, или «дома» богов. Возводились наземные, скальные и полускальные храмовые комплексы. Наземные храмы представляли собой вытянутый в плане прямоугольник, окружённый высокой массивной стеной, к воротам которой вела от Нила широкая дорога, украшенная по обеим сторонам статуями сфинксов. Вход в храм оформляли в виде пилона. К наружной стороне пилона прикрепляли высокие деревянные мачты с флагами, а перед ними воздвигали гигантские статуи фараона и позолоченные обелиски. Вход вёл в открытый, обнесенный колоннадой двор. Далее располагался гипостиль (большой зал храма или дворца с многочисленными, регулярно поставленными колоннами), а за ним, в глубине храма - молельня. К подобному типу храмов относится храм Амона в Карнак.
Просмотр видео из серии «Красивейшие памятники мировой архитектуры» - «Карнак».
Лекция №3. Древний Египет. Живопись
Древнеегипетское искусство прочно связано с религией и верой в загробный мир. Росписи гробниц показывали, как должен жить покойный после смерти. Знатных людей в Древнем Египте хоронили в окружении статуй и настенных росписей, рассказывающих о переходе в загробный мир. К погребальным атрибутам добавлялись папирусные свитки с рисунками и текстами, которые помогали умершему найти путь в царство мертвых. Эти свитки известны как «Книга мертвых».
В сцене из «Книги мертвых» бог солнца Ра принимает жертвоприношение. У него тело человека и голова сокола.
Продолжение земной жизни считалась загробная, которая начиналась после суда Осириса над умершим в так называемом Зале истины. Осирис - бог умирающей и воскресающей природы, царь загробного мира и судья душ усопших. Росписи на стенах гробницы показывали богам, как жили покойные, чтобы те могли сохранить привычный уклад и после смерти. Порой усопшего изображали за работой или любимым занятием.
Царица Нефертари, любимая жена фараона Рамсеса II, в нарядной одежде играет в древнюю настольную игру - сенет.
Художники начинали учиться ремеслу с девяти лет и должны были следовать строгим правилам. Каждая часть тела изображалась с лучшего ракурса: грудь и глаза - фронтально (анфас), а голова, ноги и руки - сбоку (в профиль). Все изображения были плоскими.
Художник Небнефер выполнил этот эскиз богини. Ошибаться было нельзя, ведь изображения создавались для богов.
Костяная палитра. На этой палитре с углублениями для чернил лежат тростниковые палочки для письма. Каждый иероглиф требовал строгого соблюдения пропорций. Рисунки и знаки египетской письменности называют иероглифами.
Египетские настенные росписи делались по четкой технологии. Стену выравнивали белой штукатуркой. Затем окунали нить в красную краску и ею наносили сетку. По сетке с небольших набросков на папирусе художники переносили контуры тростниковой палочкой или тонкой кистью. Рисунок раскрашивали красками, изготовленными из природных красителей.
Гробница Сеннеджема. Эта настенная роспись обнаружена в гробнице древнеегипетского художника Сеннеджема. Он расписывал царские гробницы и поэтому получил титул Служителя места истины. Он был похоронен со своей семьей. Росписи на стенах гробницы в приукрашенном свете показывают богам его земную жизнь, чтобы в загробном мире он ни в чем не нуждался. Рассмотрим подробно фрагменты росписи. Сцены богатого урожая и жатвы представляют собой заклинание о том, чтобы у Сеннеджема и его жены Ли-Неферти и в загробной жизни было вдоволь пищи. На полях Иару, где счастливо живут умершие, получив благословение богов они вместе сеют, пашут и собирают урожай. Сеннеджем срезает пшеницу изогнутым деревянным серпом. Супруга идет за ним, собирая колосья в корзину. Они в своих лучших одеждах и париках; это показывает, что на картине не реальная сцена, а пожелание. Под сценой с пшеницей Сеннеджем собирает лен, из которого делали полотно и масло. На следующем рисунке он погоняет быков, запряженных в плуг. Наверху слева пять богов, включая Ра, Осириса и Птаха, внимают молитвам Сеннеджема и Ли-Неферти. А справа сын Сеннеджема прикасается к губам усопшего отца особым жезлом, чтобы и в загробном мире тот мог дышать, есть и пить.
Окружающий человека мир живых существ и предметов передан достоверно и узнаваемо: разнообразные звери, птицы, рыбы, орудия труда и музыкальные инструменты, одежда, украшения.
Лекция №4. Древний Египет. Скульптура
Древнеегипетское искусство было связано с богами и загробной жизнью. Египтяне верили, что скульптуры в храмах и гробницах обладают духовной силой. Поэтому туда помещали статуи фараонов, знати и богов. Помещённые в поминальные храмы и гробницы, статуи олицетворяли собой умерших и являлись вместилищем их душ (Ка), а потому отличались портретным сходством с ними. Каждая скульптура высекалась из прямоугольного блока камня по заранее прочерченной разметке и затем тщательно отделывалась в деталях.
Скульптура Египта, как и живопись, подчинялась строгим правилам. Стилизованные мужские статуи крупнее женских, у стоящих фигур часто выдвинута вперед одна нога, руки сидящих лежат на коленях.
Статуя вельможи Каапера (Каирский музей) - дородного степенного пожилого египтянина с посохом в руке - так поразила нашедших её при раскопках рабочих сходством с их сельским старостой, что за ней навсегда сохранилось название «Сельский староста». Круглое, спокойное лицо выглядит реалистичным благодаря глазам, выполненным из горного хрусталя и небольших медных пластинок.
Как живой, сидит с поджатыми ногами писец Каи (Лувр, Париж). На коленях он держит развёрнутый свиток папируса, он словно ловит каждое слово своего властелина.
Статуи царевича Рахотепа и его супруги Нофрет (Каирский музей), восседающих на тронах. По традиции статуя мужчины окрашена в красновато-коричневый цвет, а статуя женщины - в светло-жёлтый. Царевна изображена в белой облегающей одежде и в коротком чёрном парике, на шее у неё разноцветное ожерелье. Выразительные глаза обоих выполнены из белого кварцита и обведены черной краской.
Ушебти - это специальные фигурки, изображающие человека, как правило со скрещенными на груди руками, либо с какими-нибудь орудиями труда. В усыпальнице их было 365, по числу дней в году. Для чего предназначались эти фигурки? Необходимы они были для того, чтобы выполнять различную работу в загробном мире вместо хозяина. Изготовлялись ушебти обычно из дерева, мягкого камня, терракоты. На них писали магические тексты. Вот одна из стандартных надписей на ушебти: "О, ушебти! Если повелят Осирису (то есть покойному, их хозяину) выполнить любую работу, которую следует выполнять в загробном мире, - смотри, будь начеку, чтобы выполнять то, что положено человеку там. «Вот я!» - да ответишь ты, когда позовут тебя. Ищи момент всякий, чтобы трудиться, чтобы вспахивать поля, наполнять каналы водой, перетаскивать песок с востока на запад. И снова говори слова эти: «Вот я!», когда позовут тебя".
Просмотр фрагмента фильма «Древний Египет» (Искусство и ремесла - 7 минут с 36-й минуты фильма).
Лекция №5. Минойское искусство
Кносс на Крите - один из первых крупных городов. Его построили минойцы, жившие на острове Крит в 3000 - 1380 годах до н.э. Сами минойцы себя так не называли, это название жителям Крита дал английский археолог Артур Эванс. Он предположил, что на Крите могла существовать древняя цивилизация и назвал ее по имени мифического царя Крита Миноса.
Минойцы спроектировали самый знаменитый из своих дворцов Кносский дворец и расписали его фресками. По преданию, именно в этом древнем сооружении находился мифический Лабиринт, где жил Минотавр - получеловек-полубык, побежденный отважным афинским юношей Тесеем. Об этом повествует греческий миф о Нитях Ариадны. Согласно легенде, много тысячелетий назад Критом правил мудрый царь Минос, сын Зевса и похищенной им царевны Европы. Однажды Минос позвал к себе зодчего Дедала и приказал построить подземный лабиринт, огромный и запутанный. Говорили, что попадавшие в него люди не могли отыскать выход и погибали в его мрачных стенах. Там жил ужасный Минотавр, ежегодно требовавший себе на съедение жертву - 7 юношей и 7 девушек. Однажды в Лабиринт вместе с другими попал Тесей. Убив страшное чудовище, он стал настоящим героем. Но ему бы не удалось выбраться из мрачного Лабиринта, если бы не клубок ниток дочери Миноса - Ариадны. Не только мифологические сказания, но и находки археологов свидетельствуют, что дворец некогда был очень велик, а его подземные помещения весьма запутаны.
Почти все многочисленные помещения дворца украшены настенными росписями. Минойцы расписывали стены по сырой штукатурке. По мере высыхания краска и штукатурка соединялись. Эта техника позже получила название - фреска (от итал. «свежий»). Минойцы украшали росписями стены, чтобы ими любовались люди, а не боги.
Изобразительное искусство древних египтян оказало влияние на другие народы Средиземноморья. Так, минойские фрески выполнены ярким колоритом и манерой изображения людей, напоминающей египетскую стенопись: лица в профиль, глаза и плечи - анфас. Фигуры отличаются многообразием обликов, выражением лиц, характером движений, многоцветными пышными одеждами. Со стен дворца на нас смотрят минойцы - участники светских праздников, театральных представлений, пиров, игр на открытом воздухе. Еще одна любимая тема росписей - морская фауна. Почему? На фресках также часто встречается изображение быка. Почему?
«Дамы в голубом». На этой минойской фреске изображены три дамы в узорных платьях голубого цвета с узкими талиями и рукавами до локтей. Диадемы и жемчужные нити украшают пряди волос, на лбу завитки.
«Грифон» - мифическое существо с телом льва и головой орла.
«Парижанка». Одним из наиболее знаменитых портретов является изображение молодой кокетки с накрашенными губами и выразительными глазами. Археологи дали портрету название «Парижанка».
К середине 2 тыс. до н. э. критская культура пришла в упадок, что было связано со стихийными бедствиями и войнами. Отметим, что минойское искусство дает некоторое представление об истоках древнегреческого искусства.
Просмотр видеофрагмента о Критском царстве из фильма «Древняя Греция».
Лекция №6. Древняя Греция. Архитектура
До нашего времени не сохранились жилые строения эллинов, но мы можем судить о древнегреческой архитектуре по прекрасным храмам, обильно украшавшим их города. Храмы они посвящали своим олимпийским божествам.
Основные принципы архитектуры:
- греки не использовали арочные своды и купола, поэтому все их здания состояли из вертикальных опор - колонн и, поддерживаемых ими, прямых горизонтальных перекрытий;
- основные типы колонн и соотношение несущих и несомых частей здания оформились в жёсткую систему, называемую ордерной (от греч «ордер» - «норма, порядок»);
- пропорции зданий рассчитывались исходя из пропорций человека, а архитектурные элементы иногда уподоблялись (конечно, условно) частям человеческого тела;
- архитекторы большее внимание уделяли экстерьерам (внешнему виду зданий), чем интерьерам;
- эстетические принципы древнегреческой архитектуры основывались на сочетании соразмерности и простоты. «Ничего сверх меры» - слова, написанные на храме Артемиды.
Итак, классическая греческая колонна состояла из трёх частей: базы - основы, на которой устанавливалось тело (или ствол) колонны и капители - её самой верхней части, поддерживающей балки перекрытий. Греки создали три типа колонн, ставших основой классических ордеров: дорического, ионического и коринфского.
Архитектуру Эллады можно назвать ориентированной на Человека, и даже «человекоподобной». Высказывание «Человек - мера всех вещей» - заключало для греков мысль о том, что все предметы и явления окружающего мира должны не только оцениваться с точки зрения «удобства», но и создаваться при помощи расчётов, основанных на пропорциях человеческого тела. Поэтому каждый из ордеров был по-своему антропоморфным, то есть наделялся в воображении греков чертами, присущими человеку.
Так самый простой, «крепкий» и мощный - дорический ордер - был воплощением образа мужчины-атлета - его капитель была лишена каких-либо украшений, а ствол имел некоторое утолщение - энтазис, как если бы оно и в самом деле испытывало давление сверху, которое с усилием удерживало. Вместо колонн могли помещаться мужские изваяния - атланты.
Ионический ордер имел более лёгкие и изящные пропорции и соответствовал женскому началу. Эта женственность особенно явно проявлялась в капители ионической колонны - её украшали спиралевидные завитки с обеих сторон - волюты - имеющие сходство с локонами волос, уложенными в прическу. Вместо колонн могли помещаться женские изваяния - кариатиды.
Несколько позже появился коринфский ордер - по мнению греков, соответствующий образу юной девушки. Его ствол строен и высок, а капитель, пышная и сложная, напоминает корзину со стилизованными листьями растения аканфа (аканта).
От того, какого типа использовались колонны, зависело и то, как будут выглядеть и украшаться здание целиком.
Один из самых известных архитектурных ансамблей Древней Греции - великолепный ансамбль Афинского Акрополя (447-406 до н.э.). Слово «Акрополь» означает «верхний город», «город на вершине». Это 156-метровый крутой и обрывистый холм с пологой вершиной (ок. 300 м. в длину и 170 м. в ширину). Акрополь был в Элладе тем же, чем и Кремль в Древней Руси: городской твердыней, господствующей над городом и окрестностями, которая заключала в своих стенах храмы и общественные учреждения, служа убежищем для населения во время войны. Планировка и постройка Акрополя были выполнены под руководством Фидия - величайшего скульптора Древней Греции.
А теперь, закрыв глаза, перенесемся в Древние Афины на празднование Великих панафиней. Этот праздник в честь богини Афины с размахом отмечался раз в 4 года и включал обряд - шествие к Акрополю, жертвоприношение, а также гимнастические, конные, поэтические и музыкальные состязания. Торжественное шествие поднималось на Акрополь с западной стороны холма. Дорога, круто идущая вверх, приводила к Пропилеям, имеющим 5 проходов, обращенным к городу своей дорической колоннадой. Первым встречал процессию изящный, маленький и легкий храм ионического ордера, посвященный Ники Аптерос (Бескрылой Победе. Афиняне нарочно лишили крылатую богиню крыльев, чтобы она навсегда осталась в их городе). Храм прилегал к правому крылу Пропилей. Миновав Пропилеи, шествие выходило на широкую площадь, в центре которой высилась почти десятиметровая бронзовая статуя Афины Промахос (Воительницы), созданная великим Фидием; блеск позолоченного наконечника ее копья был виден издалека. Центральным храмом ансамбля Акрополя был Парфенон - храм дорического ордера, посвященный богине мудрости Афине. А вдали виден был Эрехтейон, храм Афины и Посейдона на месте спора этих богов за обладание Аттикой (так называется местность, где расположены Афины). Храм имеет уникальный в греческой архитектуре ассиметричный план, а у южной стены - знаменитый портик кариатид. Храмы Акрополя были богато украшены скульптурными рельефами и статуями.
Лекция №7. Древняя Греция. Скульптура
В Древней Греции статуи создавались в знак уважения. Они изображали благородных воинов, атлетов, героев мифов. Скульпторы воспевали божественное тело человека, поэтому главной задачей было добиться совершенных пропорций.
Архаические, то есть ранние греческие скульптуры начиная с VIII века до н.э. создавались под влиянием скульптуры Египта. Так, сложились два типа статуй. Куросы - обнаженные мужские фигуры с прижатыми к телу руками и выдвинутой вперед левой ногой. Почти всегда куросы величавы и прекрасны, словно юные боги, поэтому исследователи назвали их «Аполлонами». Их лица озарены лучезарными «архаическими улыбками». Куросы изображали конкретных людей, а на некоторых из них сохранились имена. Их устанавливали, как надгробия, жертвовали святилищам, украшали ими городские площади. Коры - также стоящие фронтально женские фигуры в длинных одеждах. От многих статуй сохранились только головы с выразительными чертами лица, огромными глазами и той же, что и у куросов, «архаической улыбкой». Сначала исследователи считали, что улыбка получалась у мастеров случайно, из-за их неумения обрабатывать должным образом фас и профиль лица. Затем стало очевидно, что улыбка - выражение радости, отличающее эпоху архаики в целом. Отметим: в ранних образцах господствовала статика, то есть в изображениях куросов и кор не было движения. Динамика (движение), появляется лишь в эпоху классики, сменившей архаику.
Статуя Артемиды (Лувр, Париж) - статуя с совершенными пропорциями. Греческие скульпторы стремились к безупречности форм. С начала классического периода и до конца эллинистического (V-I века до н.э.) скульпторы создавали реалистичные образы. Они добивались идеальных пропорций, научились передавать эмоции и движение. Это более поздняя римская копия греческой скульптуры того периода.
Статуя дискобола (Национальный музей Палаццо Массимо алле Терме, Рим) - римская копия утраченной греческой статуи из бронзы. Оригинал был создан в V веке до н. э. известным греческим скульптором Мироном. Статуя вызывала восхищение, ее копии делали и в бронзе, и в более дешевом мраморе. Имя мастера нам известно, так как лучшие мастера подписывали свои работы.
Венера Милосская и Ника Самофракийская - статуи более позднего времени неизвестного автора, хранятся в Лувре.
Лекция №8. Древнегреческая вазопись
Очень немногие памятники греческой живописи дошли до нас. Различные части храмов целиком бывали покрыты краской, тем не менее следы разноцветной архитектуры теперь сравнительно редко встречаются. Внутренние стены храмов, несомненно, были покрыты живописью, а между тем она вся исчезла. Нераскрашенные статуи были совершенно немыслимы для того времени, однако остатки прежней полихромии на дошедших до нас произведениях весьма скудны. Только та живопись, материалом для которой служила жженая глина, то есть вазовая роспись, дошла до нас в большом количестве памятников. Правда, здесь живопись является скорее видом прикладного искусства; но для нас очень важно, что благодаря этим произведениям мы можем составить представление о технике рисунка и ее идеалах в то время.
В VI в до н.э. Афины начинают решительно задавать тон в керамике, а афинская посуда становится самой совершенной как в отношении материала, так и относительно формы и рисовальной техники. К тому времени гончарное производство имело весьма важное значение в экономике Эллады. Об этом свидетельствуют многочисленные археологические находки на очень широком ареале государств Средиземноморья, куда приходили греческие товары. Одним из центров гончарного производства были именно Афины. Этому способствовал превосходный состав почвы, не сравнимой ни с какой другой. Там сформировался целый квартал с лавками и мастерскими по производству посуды. Он так и назывался - Керамик (гончарный). Керамические изделия греческих мастеров поражали своим разнообразием и стоили недорого. В каждом доме были такие предметы, предназначавшиеся для самых разных целей - и сосуды для хранения продовольственных запасов, и повседневная и ритуальная посуда, и в качестве декора домашней обстановки. О значимости этих изделий в жизни жителей Древней Греции, о достаточно высоком статусе вазописцев говорит тот факт, что мастера оставляли подписи на своих работах. Имена некоторых известны нам и сегодня - это Экзекий, Евфроний, Евфимид и др.
Широкое распространение получили два основных стиля вазописи:
- чёрнофигурный - чёрным лаком рисовались фигуры, фоном же служила подкрашенная охрой глина, из которой изготовлялся сосуд. Мелкие детали на чёрных фигурах процарапывались специальным инструментом. Есть легенда, что такая роспись появилась благодаря случайности - влюблённая девушка, обвела тень, которую отбрасывала фигура её возлюбленного.
- краснофигурный - в этой технике фоном служит залитая чёрным лаком поверхность посуды, а сами фигуры сохраняют красный цвет обожжённой глины. Детали же прорисовывались кистью, что позволяло сделать рисунок более лёгким, гибким и живописным, а фигуры приобретали большую пластичность и естественность. Выдающимся мастером этой техники считался Евфроний. На одной из краснофигурных ваз он показал прилет ласточки: мальчик, юноша и мужчина охвачены общим радостным чувством прихода весны. Рядом с каждым изображенным персонажем Евфроний помещает произносимые им слова: «Смотри, ласточка», - обращает внимание на птичку юноша. «Правда, клянусь Гераклом. Уже весна» - утверждает мужчина, а мальчик заканчивает несложный разговор восклицанием: «Вот она!».
Тематика росписей была очень разнообразной - от традиционных мифологических сюжетов до эпизодов гомеровских поэм. Кроме того, на чашах мы можем увидеть сцены из повседневной жизни: спортивные состязания и тренировки; сцены военных походов и сражений; изображения музыкантов и танцоров; колесничих и моряков, пирующих и скорбящих, стариков и детей, прекрасных дев, и мускулистых мужей, и многое другое.
Лекция №9. Древний Рим. Архитектура
Основные архитектурные формы и принципы были заимствованы римлянами у древних греков. Однако греческая архитектура не была просто скопирована, она была переработана в духе римского практицизма, и дополнена новыми элементами и инженерными изобретениями. «Прочность, польза, красота», - девиз римских архитекторов, сформулированный Витрувием. Кроме того, римляне ввели в архитектуру конструктивные элементы, «унаследованные» от этрусских зодчих - арки и своды.
Не менее широко применялась и конструкция, получившая название аркада - ряд арок, соединённых между собой. Так, в частности, строились римские водопроводы - акведуки, некоторые из которых, кстати, функционируют до сих пор. А секрет такой поразительной сохранности в ценном изобретении строителей Древнего Рима. Им стал бетон, обеспечивающий сооружениям прочность и долговечность. Акведук Пон-дю-Гар. Франция.
В связи с развитием городов большое внимание римскими зодчими уделялось гражданскому строительству. Ими использовались традиционные постройки, такие как храмы и театры, но были разработаны и новые типы общественных сооружений: базилики, рынки, термы, амфитеатры, цирки и др. Что же они собой представляли?
Базилики - прямоугольные в плане здания, интерьер которых, делился рядами колонн на три или пять продольных частей - нефов, в Риме, зачастую, использовались для проведения торговых сделок и судебных разбирательств. Базилика Максенция и Константина в Риме.
В Древнем Риме появились особые общественные учреждения - термы - сложные сооружения, совмещавшие одновременно несколько функций. Прежде всего, это были общественные бани, в которых римляне могли мыться и наслаждаться купаниями в бассейнах с контрастными температурами. Здесь же располагались лектории, гимнастические залы, библиотеки. Термы Каракаллы в Риме.
Особой популярностью пользовались римские амфитеатры - круглые или овальные здания, с площадкой, где устраивались различные представления, из которых наибольшей любовью народа пользовались гладиаторские бои. От арены вверх поднимались зрительские ряды. Такие сооружения были во множестве построены по всей территории Римской Империи. Мировую славу приобрел амфитеатр, построенный в Риме во время правления императоров из династии Флавиев, который из-за своих грандиозных размеров позже получил название Колизей (от искаженного - колоссеум - огромный). Он вмещал до 50 тысяч зрителей и был действительно самым крупным театром древнего мира. В плане он представляет собой эллипс, размеры которого 188 на 156 метров. Его внешние стены, поднимались на высоту 50-ти метров и состояли из трёх ярусов аркад. Ниши, образованные арками, были украшены скульптурой. На билетах указывался сектор, где должен был находиться зритель, и номер одного из 80-ти входов в театр. Таким образом, здесь никогда не могло возникнуть давки при входе внутрь здания или при выходе из него. Над зрительскими местами натягивался тент, защищавший от непогоды или палящего солнца. На арене этого амфитеатра могло одновременно сражаться до сотни пар гладиаторов. Под ареной Колизея располагались служебные помещения, уходившие на десять метров в глубину. Здесь находились клетки с дикими зверями, участвующими в представлениях, своеобразные «гримёрки» гладиаторов и актёров, костюмерные и театральные мастерские, а также система водоснабжения, позволяющая «затопить» арену, для проведения морских сражений.
В Древнем Риме появилась необычная традиция строительства триумфальных арок, возводимых в честь важных военных побед римских войск и возглавлявших их полководцев и императоров. До сих пор на улицах Рима мы можем видеть триумфальные арки императоров Тита, Константина, Септимия Севера и др. Сквозь них проходили римские войска, возвращающиеся с победой. Символически эти арки обозначали ворота из «Войны» в «Мир».
К наиболее известным и выдающимся архитектурным шедеврам Рима относится знаменитый Храм «Всех богов» - Пантеон. Это уникальное купольное сооружение имеет цилиндрическую форму, вход в него оформлен в виде греческого 8-колонного портика коринфского ордера.
Таким образом, римское зодчество, впитав в себя лучшие достижения древнегреческой архитектуры и дополнив её новыми конструктивными, достигло таких художественных и инженерно-технических высот, которые стали образцом для подражания на протяжении многих последующих веков.
Лекция №10. Древний Рим. Скульптура
Наибольшее влияние на становление римской скульптуры оказало искусство Древней Эллады. Пленённые греческой культурой, римляне, в массовом порядке вывозили из Эллады знаменитые статуи и копировали греческие образцы. Однако если греки создавали некий обобщенный образ идеального гармоничного человека, то римляне желали придать искусству ваяния практичность. Таким образом, в Древнем Риме зарождается, а затем занимает прочное положение скульптурный портрет. Его появление было обусловлено древней традицией, связанной с почитанием умерших предков. Ещё в древности у римлян сложилась традиция делать посмертные гипсовые маски с умерших. Затем стали изготовлять их портреты. В доме каждого уважающего себя римлянина находились бюсты, изображающие его умерших родственников, и чем их было больше, тем выше оценивался статус гражданина. Поэтому появились оригинальные статуи, изображающие знатных римлян, держащих в руках бюсты своих пращуров. Статуя древнего римлянина с портретами предков в руках (Капитолийские музеи, Рим).
Особое значение приобрел скульптурный портрет в период Римской Империи. Ваятели должны были изображать правителей государства, чтобы каждый житель Рима, знал своего императора «в лицо». Чаще всего государственных мужей изображали в позе оратора, с перекинутой через плечо тогой (вид одежды), такие статуи назывались тогатусы. Практицизм римлян доходил порой до курьёзов. Когда случалось так, что императоры сменяли друг друга на престоле достаточно быстро, а, главное, неожиданно, скульпторы пользовались следующим приёмом: у статуи бывшего императора «удалялась» голова и к готовому изображению тела присоединялась другая - изображающая вновь вступившего в должность правителя. Несмотря ни на что, отдадим должное римским мастерам скульптурного портрета. Благодаря их творениям мы можем представить императорский Рим «в лицах». У нас есть уникальная возможность вглядеться в облик этих правителей, и попытаться представить какими же людьми были императоры.
Но интересно, что портреты в Риме заказывать могли не только императоры. Сохранилось бесчисленное количество изображений знаменитых, богатых, а зачастую и обычных людей. В этих бюстах правдиво показаны все нюансы лиц портретируемых со всеми характерными, остро-индивидуальными особенностями: недостатки и достоинства внешности, старческие морщины и мимические складки, характеры и типажи.
В Риме был создан ещё один, совершенно особенный, тип скульптуры - конный монумент. Таких изображений в период Римской Империи было создано не менее 20. Сохранилась до нашего времени лишь конная статуя императора Марка Аврелия (Капитолийская площадь, Рим).
Римляне явились создателями исторического рельефа. Его сюжетами становились реальные события, имеющие важное значение в жизни государства. Таковы рельефы Колонны Траяна (II в. н. э.), находящейся на форуме Траяна в Риме. Ее 200-метровый исторический рельеф изображает эпизоды покорении племени Даков. Рассказ строится как сумма отдельных эпизодов, скрепленных единством темы и главных действующим лицом - императором. Траян фигурирует на колонне примерно 90 раз. Вероятно, рельефы были раскрашены и могли хорошо читаться как снизу, так и из окон библиотек. Внутри колонны шла витая лестница, приводившая к статуе императора (ее заменили в средние века изображением св. Петра). Цоколь колонны, обвитый мемориальным венком, предназначался для захоронения праха императора.
Лекция №11. Древний Рим. Живопись
Образцов древнеримских настенных росписей осталось мало, зато сохранилось много мозаики. Несколько римских фресок уцелело под слоем пепла при извержении вулкана Везувий в 79 г. н.э., уничтожившем город Помпеи. Они показывают, что римские художники создавали реалистичные изображения окружающего мира.
Вилла в Боскореале. Римская вилла, уцелевшая под слоем пепла. Настенные росписи здесь были созданы в I веке до н.э. Ощущение глубины на этой фреске достигается за счет цвета, а не при помощи техники линейной перспективы, изобретенной позже. Художник применил холодные синеватые тона на дальнем плане и теплые красные на переднем.
Римляне первыми на Западе стали писать пейзажи. Для усиления реалистичности они использовали свою технику перспективы и свое понимание передачи светотени. Часто художники писали сады с цветами, птицами и деревьями или животных. Иногда изображались здания; они выглядели объемными благодаря затененным граням. Многие пейзажи больше напоминали виды из окна, чем картины. Сад из виллы Ливии. Фреска в подземном зале виллы под Римом I-III вв. н.э. Эта вилла принадлежала жене римского императора Августа - Ливии Друзилле. Стены подземных комнат украшены изображениями садов. Растения написаны очень реалистично и детально. Деревья показаны одновременно в цвету и с плодами, чего не бывает в жизни. Это придает работе фантазийности и говорит о стремлении римских художников не к правдоподобию, а скорее к идеализированному изображению реальности.
Римская мозаика делалась и крохотных черных, белых и цветных квадратиков (тессер) из мрамора, стекла, керамики, гальки или раковин. Они вставлялись в мокрый цемент, этим же цементом затем заделывались щели между фрагментами. Богатые римляне часто украшали мозаиками дома; ею отделывали общественные здания по всей империи. На мозаике из Помпей I века до н. э. изображен греческий философ Платон в своей знаменитой Академии. По таким мозаикам можно судить о деталях быта того времени.
Раздел второй. Искусство Византии
Лекция №12. Искусство Византии. Архитектура
В 324 году римский император Константин Великий заложил на месте некогда разрушенного города Византий новый город, получивший имя своего основателя - это город Константинополь. Вскоре Константинополь был провозглашен столицей Римской империи (330 г.) - Новым Римом. Угасал старый, языческий Рим. Упадок рабовладения не позволял поддерживать привычный для римлян уровень жизни. Они еще продолжали поклоняться Юпитеру и Венере, еще считали человеческое тело самым прекрасным творением природы, но по мере того, как таяли надежды на помощь богов, все менее прочной становилась окружающая жизнь, стала возникать потребность в изменении ее ценностей. Наиболее остро неблагополучие ощутили самые бесправные слои. Они-то и стали первыми сторонниками новой религии, в центре которой стоял не олимпийский бог, а Бог, воплотившийся в человека и принявший муки и смерть за род человеческий. Христианство объявили вредной ересью, его сторонников подвергали пыткам и казням. Но как раз именно это и способствовало распространению вероучения. Через 300 лет после смерти Иисуса христианство из небольшой секты превратилось в религию, которую исповедовали многие. Но сначала оно было под запретом: христиане тайно встречались в катакомбах - подземных галереях, служивших погребениями. На стенах они изображали библейские сцены. К 313 году христианство стало столь популярным, что римский император Константин прекратил гонения христиан, признал христианство государственной религией, за что и получил прозвище Великого. В 395 году Великая Римская империя распалась на Восточную и Западную империи. Восточная Римская империя получила название Византия. Эти события положили начало следующему периоду мировой истории, который мы называем Средними веками.
Начнем беседу об искусстве Византии с архитектуры.
После победы христианства античные храмы нередко перестраивались в церкви. Однако вскоре выяснилось, что христианские требования к церковному зданию далеко не совпадали с античными. Ведь античный храм был не местом моления, а вместилищем статуи божества; торжественные процессии обходили его снаружи. У христиан же само слово «церковь» означало не здание, а собрание верующих. Храм должен был служить помещением для такого собрания: акцент переносился с внешнего на внутренне, то есть важен был интерьер (внутреннее убранство) здания. Поэтому усилия византийских зодчих были направлены на изобретение нового типа храма, удобного и приспособленного именно для христианских служб. Им стала купольная базилика. К этому типу принадлежит знаменитый храм Византии - Святая София Константинопольская. Этот главный собор столицы империи посвящен Софии - премудрости Божьей, воздвигнут в 532-537 гг. согласно замыслу двух зодчих - Анфимия из Тралл и Исидора из Милет во время правления императора византийского Юстиниана (VI век).
Снаружи этот шедевр зодчества не производит сильного впечатления. Поражают лишь его величина, да мощь крепких, лишённых декора, стен. Впечатление резко меняется, как только посетитель попадает внутрь строения. Вдруг, совершенно неожиданно, перед ним открывается необыкновенный простор и грандиозная высота (около 50-ти метров), которые кажутся фантастическими. Весь интерьер Святой Софии поражает своей роскошью, богатством и утончённой красотой. Ведь для его украшения со всех концов империи доставлялись мраморные глыбы, золото, серебро, слоновая кость, жемчуг, драгоценные камни. Из древних античных храмов свозилось все лучшее, что в них было. Сохранившиеся великолепные мозаики делают интерьер храма драгоценным. На каждом шагу, посетителя храма ждёт открытие и изумление. Великолепная резьба капителей колонн, мраморный узор плит стен и полов, красота витражей и изящество светильников, свисающих, как будто с небес. Однако главным конструктивным и смысловым элементом этой постройки был огромный купол, парящий над всем этим пространством и великолепием. Чтобы облегчить вес купола и его давление на опоры, архитекторы применили остроумный приём - в его основании было прорезано сорок окон, отделённых друг от друга тонкими перегородками, которые, при ярком дневном свете, становились практически невидимыми. И тогда людям, находящимся в храме, казалось, что купол этот «покоится не на камнях, а спущен на золотой цепи с высоты небес». Впечатление лёгкости и нерукотворности купола возникало ещё и вследствие применения нового способа конструкции опор. Переход от квадратных, в плане стен, к круглой сфере купола осуществлялся с помощью парусов - вогнутых треугольников, опирающихся на четыре мощных столба. Чтобы ещё более уменьшить давление купола на стены храма, архитекторы собора, сделали дополнительные полукупола, примыкающие к основному по бокам. Те, в свою очередь, опирались еще на меньшие по размеру, снабженные многочисленными окнами.
По свидетельству летописи, впечатление именно от этого собора заставило послов киевского князя Владимира Красное Солнышко предпочесть веру православную всем остальным.
Византия просуществовала около 1000 лет и более 1000 лет храм оставался крупнейшим в мире. В 1453 году турецкий султан Мехмед II Завоеватель во главе 200-тысячного войска осадил Константинополь. Дни Византии были сочтены. Султан Мехмед гордо въехал в Святую Софию на белом коне. Но красота православного храма так поразила турка, что он приказал превратить его в мечеть. Крест с купола Софии был заменен на полумесяц, рядом пристроили минареты, драгоценные мозаики уничтожили. Восстановление интерьеров Святой Софии началось лишь в 1932 году. Мечеть упразднили и вместо нее открыли музей. Но сейчас в храме снова действующая мечеть.
Лекция №13. Искусство Византии. Живопись
В Византии развивался особый стиль, получивший название византийского. Он создавался для изображения библейских сюжетов. Также его использовали для того, чтобы запечатлеть влиятельных людей. В отличие от греческого и римского стилей христианское искусство не стремилось к реалистичности: это считалось грехом. Византийский стиль распространился по всей Европе - от Испании на западе до России на востоке. Появились украшенные орнаментами и миниатюрами рукописи священных текстов. Но большинство прихожан были неграмотными, и чтобы рассказать людям о Библии, в новых церквях создавались фрески и мозаики. Они мерцали при свете свечей, придавая помещению праздничный вид и иллюстрировали события священных христианских книг, прежде всего Библии. Люди изображались облаченными в длинные одеяния, имели строгий и торжественный вид. В византийских храмах нельзя было встретить изображения обнаженного тела (сравним с античными изображениями). Художники придерживались строгих канонов для передачи духовного содержания. Яркое представление о средневековой византийской живописи дают мозаики, подобные тем, что украшали мавзолей Галлы Плацидии в Равенне (середина V века). Лучшей мозаикой мавзолея считается мозаичная картина «Добрый пастырь с овцами», в которой строгая симметричная композиция прекрасно сочетается со скалистым пейзажем. Пастырь Христос изображен сидящим рядом со стадом овец. Его фигура не тяжеловесна и не статична, движения плавны и размерены. Все исполнено величия и простоты.
Мозаики в итальянском соборе Сан-Витале в Равенне (VI век) изображают византийскую императрицу Феодору, стоящую в окружении свиты и византийского императора Юстиниана со свитой. Мозаики были созданы вскоре после того, как армия императора захватила Равенну. Юстиниан изображен с нимбом - символом святости и золотой чашей для пожертвований.
Икона (от греч. - «образ») произведение искусства с изображением святого, к которому обращаются во время молитвы. Пишут иконы красками на деревянных досках. А изображают Иисуса Христа, Богородицу, святых и ангелов. Первые иконы появились в Византии.
Мозаичная икона Христос Милостивый предназначалась для домашней молитвы. Ее владелец, вероятно, был богат, поскольку обычно домашние иконы писали красками на дереве.
Раздел третий. Искусство Средневековья в Западной Европе
Лекция №14. Искусство раннего Средневековья
В 395 году Великая Римская империя распалась на Восточную и Западную империи. В 476 году вождем германских варварских племен Одоакром был свержен последний император Западной Римской империи Ромул Августул, а вместе с ним была повержена и его империя. Эти события положили начало следующему периоду мировой истории, который мы называем Средними веками. Мы уже познакомились с искусством Восточной Римской империи, теперь поговорим о Западной Римской империи.
Эпоха Средневековья в Западной Европе (V-XV вв.) включает 3 периода. Период первый - н. V - сер. X века принято называть раннехристианским. Искусство этого времени было тесно связано с христианским вероучением. Ведущим же видом художественного творчества становится живопись в книгах священного содержания (Библия, Евангелие) - книжная миниатюра. Книги переписывались послушниками в монастырских мастерских - скрипториях. Писались они на пергаменте, изготовленном из обработанных шкур животных. Такие книги были большой редкостью и хранились в монастырских библиотеках, поэтому многие из них дошли до нашего времени в первозданном виде. Картинки в книгах получили название миниатюр (по красной краске «миниум»). При монастырях, ставших центрами духовной и культурной жизни, открывались школы книжного искусства. Их мастера занимались оформлением рукописей, которые богато украшались орнаментами, представлявшими собой переплетение линий и изображавшими различных животных. Особо украшались начальные буквы - инициалы, часто занимавшие целую страничку. Инициалы рисовались яркими красками и украшались сложными узорами, сочетающимися с изображением людей и животных.
Келлская книга - иллюстрированная рукопись. Она включает четыре Евангелия из библейского Нового Завета и посвящена земной жизни Христа. Предполагают, что книга создана в VIII веке кельтскими монахами на шотландском острове Айона. Текст Евангелий переписывали трое монахов-каллиграфов, затем монахи-художники рисовали миниатюры цветными чернилами, изготовленными из редких красителей. Книгу украшают десять полностраничных иллюстраций. Одну из них мы рассмотрим подробно.
Христос на престоле. Христос показан сидящим на троне как правитель мира. Это важный для раннехристианского искусства сюжет. Иисуса Христа часто изображали в центре в окружении святых. Здесь фигуры вокруг Христа - это четыре евангелиста. Авторы Евангелий из Нового Завета: апостолы Матфей, Марк, Лука и Иоанн. По обе стороны от Христа изображены павлины, символизирующие его воскрешение: считалось, что плоть павлина не разлагается. Иногда в витиеватые сложные узоры вплетены фигурки людей или животных. Завитки, узлы и спирали характерны для кельтского художественного стиля.
Мадонна с младенцем. Эта иллюстрация - самое первое изображение Мадонны с младенцем в западных рукописях. На второй странице разворота надпись на латыни гласит: «Тогда распяты с Ним два разбойника».
Лекция №15. Романское искусство. Храмы
Главная роль в романском стиле отводилась крепостного типа архитектуре: храмам, замкам. Эти массивные каменные сооружения воздвигались обычно на возвышенных местах и господствовали на местности. Символом романской архитектуры стала стена. Ее мощь, толщина, неприступность. Зодчие мало заботились о внешней красоте построек, главное, чтобы здание было крепким и прочным. В храме - стена становится воплощением темы спасения души в лоне церкви, в замке - темы спасения тела.
Для строительства храма из всех сохранившихся от античной архитектуры типов общественных зданий, западноевропейские христиане выбрали базилику, которая могла вместить большое количество верующих, и её форма прекрасно приспосабливалась для проведения богослужений. Что же представляли из себя христианские храмы? Это были здания прямоугольной формы, интерьер которых делился на несколько частей - нефов (обычно 3), разделённых рядами колонн. Центральный или главный неф, имел, как правило, большую высоту, по сравнению с боковыми, и в его верхней части делались окна, являвшиеся главным источником освещения здания. Восточная часть храма, где находился алтарь, выделялась полукруглым или многоугольным выступом - апсидой. Поперечный неф, пересекающий тело храма поперёк - называется трансепт. Благодаря ему храм в плане (при взгляде сверху) приобретает форму латинского креста.
Храмы внешне выглядели весьма сурово. Обязательным архитектурным элементом становятся дозорные башни. На стенах собора, сложенных из массивных камней, практически отсутствовал декор, а окна были редкими и достаточно небольшими (узкими, как бойницы). Из-за скудного освещения интерьеры романских соборов достаточно мрачны. Колонны, разделяющие нефы романской базилики, превращались в столбы-опоры, тяжелые и массивные, которые должны были выдержать грандиозный вес камня. Располагались они на достаточно близком расстоянии друг от друга и перекрывались арочными сводами.
Таким образом, мощь и монолитность, монументальность и внушительность, простота и некоторая мрачность - отличительные черты романского искусства.
Собор аббатства Мария-Лаах в Германии. Собор в Пизе (Италия). Соборы в Вормсе, Бамберге и Шпайере (Германия). Церковь аббатства Клюни во Франции.
В интерьерах романских храмов господствовали гладкие каменные плоскости, которые иногда украшались скульптурным рельефом или фресковой живописью, мало сохранившейся до нашего времени. Сюжетами этих рельефов и росписей становились библейские истории, а также фольклорные предания и легенды, переносимые на стены храма мастерами-ремесленниками, выходцами из народа. Особенно ярко в них проявлялась любовь простого средневекового человека ко всякого рода чудесному, о чём говорит обилие чертей, химер (голова и шея льва, туловище козы, хвост змеи), василисков (петух со змеиным хвостом), гибридных существ и т.п. В романских храмах обязательно присутствовали и канонические христианские образы.
Лекция №16. Романское искусство. Замки
Итак, главная роль в романском стиле отводилась крепостного типа архитектуре - светской и культовой. О храмах мы поговорили. Теперь о светской архитектуре, представленной рыцарскими замками.
Рыцари строили себе замки, которые были не только их жилищем, но и становились оборонительными крепостями в период постоянных, сотрясающих Западную Европу феодальных войн. В их архитектуре также проявлялись черты романского стиля: лаконизм, суровость, мощь и большая толщина каменной кладки стен. Архитектура рыцарских замков отражала их главную функцию - защиты. Такая крепость, как правило, сооружалась на горе или возвышенности (иногда созданной искусственно), в труднодоступном месте (на крутом склоне реки, моря, на острове, на отвесной скале или же в густых зарослях леса). Замковые постройки обносились высокой, мощной неприступной стеной с дозорными башнями, возвышающимися по всему периметру. Нередко вокруг стены прорывался глубокий ров, заполненный водой. Часто подвесной мост, перекинутый через него, поднимался на ночь, защищая единственные ворота. Внутри крепостных стен бурлила жизнь. Здесь располагались ремесленные мастерские, загоны для скота, казармы для отрядов охраны и личной гвардии феодала, хозяйственные постройки и т.п.
В центре замка, или в его наиболее укрепленной части, располагалась главная башня, называемая донжон, выполняющая множество функций. В её подвале устраивалась тюрьма, первый этаж занимали кладовые, выше находились комнаты, служившие жилищем самого феодала - хозяина замка, верхние этажи предназначались для слуг, а на крыше располагалась стража, обозревающая днём и ночью окрестности.
Внутренние помещения замка были тёмными, тесными и весьма холодными, так как в каменной кладке зачастую оставались щели, через которые в непогожие дни проникал ветер. Отсюда появилась традиция украшать стены замков шпалерами (коврами из шелка или шерсти), которые, хоть как-то, утепляли помещения. Вы видите древнейший, дошедший до нашего времени, средневековый ковер из собора Байё (XII в.) в Нормандии, длина которого равна 70 метрам, а ширина - 50 см. Это вышивка по льняному полотну шерстяными нитями. Изображены сцены завоевания Англии норманами.
Великолепны сохранившиеся до наших дней средневековые рыцарские замки, которые и сегодня являются неотъемлемой частью пейзажа стран Западной Европы. Таковы, например, замок Алькасар в Испании, Эльц и Лихтенберг в Германии, Мальборк в Польше, Бран в Румынии, Гравенстен в Бельгии, французские замки в долине реки Луары.
Лекция №17. Готическое искусство. Архитектура
Искусство готики (XII-XIV века) получило свое название от германского племени готов, которое не имело к нему никакого отношения. Слово «готика» означало первоначально все дикое и варварское, то есть нечто ужасное, достойное презрения. В наши дни готический стиль считается одним из самых прекрасных художественных явлений мировой культуры.
Центром культурной, религиозной и общественной жизни средневекового города был собор. Если в романский период собор часто становился крепостью, то в период готики, находясь внутри города, храм утрачивал свою функцию защиты и, в связи с этим, более не нуждался в толстых массивных крепких стенах. Кроме того, городская жизнь диктовала свои требования - количество прихожан было внушительным (3-5 тыс. чел.), поэтому возникала потребность в расширении внутреннего пространства собора. Однако, при очень тесной жилой застройке, храм не мог разрастаться вширь, его объём мог увеличиваться только в одном направлении - вверх. Следовательно, появилась необходимость в принципиальном изменении архитектурной конструкции храма. Основной формой, по-прежнему оставалась римская базилика, однако готический храм с первого взгляда отличается от романского. Если главными признаками романских построек выступали суровость, тяжесть и горизонтальные членения, то готическая архитектура - это преобладание вертикалей, лёгкости, ажурности, обилия декора и орнамента. Чтобы сделать стены более тонкими и расширить интерьер, архитекторы разработали новый тип конструкции - каркасную (от фр. «каркас» - скелет). В готических соборах вес крыш, башен и стен удерживается не только внутренними перегородками и колоннами. Он, посредством небольших полуарок - аркбутанов, выходящих из-под сводов главного нефа, распределяется на внешние мощные опорные столбы - контрфорсы, которые подобно «костылям» подпирают тело храма снаружи. Внутри готического собора, взамен массивных опорных столбов, стали использовать тонкие полуколонны, собранные в пучки. Они возносятся на головокружительную высоту и расходятся под самым потолком многочисленными выступающими рёбрами - нервюрами, которые, распределяя давление сводов между колоннами, образуют, подчас, сложный орнамент (веерообразный, цветочный, звёздчатый, сетчатый и т.д.). Одной из главных характерных особенностей готической архитектуры становится новый тип арок и сводов. Они приобретают стрельчатую форму, которая многократно повторяется в разных деталях собора - пролётах между частями храма, оконных и дверных проёмах и т.д. И теперь собор, теряя свою внешнюю массивность, устремляется ввысь, выражая тем самым стремление человеческого духа к Небу и Богу. Венчающие всю эту громаду собора высоченные башни и остроконечные шпили (например, высота башен кафедрального собора в Кёльне составляет 157 метров!), уходят под самые облака, теряя чёткие очертания и контуры. Так, стены храма утрачивают значение главных несущих конструкций, что даёт архитекторам возможность прорезать в них множество ниш и окон. Многочисленные оконные проёмы, пропускающие внутрь огромное количество света, заполнялись витражами - картинами, составленными из кусочков цветного прозрачного стекла. Проходя, сквозь них, свет, льющийся в храм, преображается, придавая всему интерьеру фантастическую, радостную атмосферу, благодаря чему молящимся казалось, что здесь действительно пребывает Бог.
Замечательным примером готической архитектуры является часовня Сен-Шапель в Париже, где создаётся впечатление, что стены выполняют лишь роль «оправы» для 146 витражных окон с 1359 изображёнными на них сюжетами. Ажурные, богато декорированные стены готических соборов, все в скульптурном и рельефном убранстве, часто в литературе именуют «каменным кружевом».
Готический стиль, появившись во Франции, распространился по всей Европе. Назовем лишь небольшое количество примеров готического храмового зодчества: многочисленные соборы Франции, среди которых особое значение имеют кафедральные (главные) соборы Парижа, Реймса, Амьена, Шартра, храм аббатства Мон Сен-Мишель, часовня Сен-Шапель в Париже; яркие примеры готики в Германии - соборы в Марбурге, Наумбурге, Кёльне; замечателен собор Святого Вита в чешской Праге; выдающиеся памятники английской готики - соборы в Солсбери, Вестминстерском аббатстве.
Лекция №18. Готическое искусство
Скульптура и живопись
Готическое искусство ваяния, неразрывно связанное с храмовой архитектурой, в той же степени отличается от романской скульптуры, как романский храм от готического. Теперь мастера стремятся к большему реализму и правдоподобию в трактовке библейских персонажей и сюжетов. Фигуры приобретают вытянутые пропорции, в их одеждах очень правдоподобно переданы сложные драпировки, позы естественны, а лица наделены эмоциями. Скульптуры практически полностью отделены от стены, то есть, максимально приближены к, так называемой, круглой скульптуре.
Статуи, которые располагаются вдоль стен и внутри и снаружи здания, призваны были раскрывать молящимся в храме основы христианского вероучения и библейской мифологии. Не случайно, весь присутствующий в храме комплекс искусств (и витражную живопись, и скульптуры, и рельефы) называли «библией для неграмотных».
Стремление к наибольшей достоверности в изображении приводило к тому, что часто скульпторы помещали рядом с христианскими святыми и библейскими пророками фигуры своих современников и земляков. Например, статуи донаторов (спонсоров) в Наумбургском соборе в Германии. А святые, зачастую изображались как обыкновенные люди, такие же, как и жители этого города. Например, статуя Ангела в Реймском соборе во Франции. Кроме того, здесь хватало места и народной фантазии. Таковы химеры (мифические или фантастические существа) и горгульи - чудовища, часто изображающиеся на крышах в декоративных целях и водостоках храмов в практических целях. Например, на соборе в Солсбери в Англии.
Выдающимися памятниками искусства ваяния периода готики являются скульптуры соборов Парижа, Реймса, Шартра, Магдебурга, Наумбурга.
Живопись в период готики представлена не только витражами в храмах, но и алтарными образами (картинами). Многие произведения делались по заказу королевских и знатных семей, желавших показать, как они богаты и религиозны. Роскошный алтарный образ «Поклонение волхвов» кисти итальянца Джентиле да Фабриано (1423, дерево, темпера, Уффици. Флоренция) изображает трех волхвов, принесших дары младенцу Иисусу. Волхвы символизируют старость, зрелость и юность.
Часто художники получали заказы на небольшие деревянные панно для домашних молитв. Стефан Лохнер «Сретение Господне» (Гессингский музей, Дармштадт, 1447, дерево, масло). Этот образец кисти немецкого живописца иллюстрирует библейский сюжет принесения в Иерусалимский храм младенца Иисуса. Лохнер заполнил фон продуманными деталями и использовал наложение фигур для создания глубины. Благодаря богатому сочетанию синего с золотым картина сверкала, как драгоценное украшение в свете свечей.
Список литературы
- Алпатов М.В. Художественные проблемы искусства Древней Греции. / М.В.Алпатов. - М.: Искусство, 1987.
- Баумгартен Ф., Поланд Ф., Вагнер Р. Эллинская культура. / Ф.Баумгартен, Ф.Поланд, Р.Вагнер. - М.: АСТ, 2000.
- Бенуа А.Н. История живописи всех времен и народов. / А.Н.Бенуа.- М.: Директмедиа Паблишинг, 2003.
- Верман К. История искусства всех времен и народов. / К.Верман. - М.: Директмедиа Паблишинг, 2003.
- Волкова П. Мост через бездну. В 5 кн. / П.Волкова, М.: «Зебра Е», 2014.
- Гнедич П.П. История искусств. / П.П.Гнедич. - М: Директмедиа Паблишинг, 2003.
- Губарева М.В., Низовский А.Ю. Сто великих храмов мира. /М.В.Губарева, А.Ю. Низовский. - М.: Вече, 2002.
- Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. / Н.А.Дмитриева. - М.: БуксМарт, 2021.
- Журнал «Художественная галерея»
- Журнал «Юный художник»
- «Искусство с Ириной Дружининой» - блог на сайте Яндекс.Дзен.
- История искусства: Архитектура. Живопись. Скульптура. Графика. Декоративное искусство. - М.: Республика, 2003.
- Кун Н.А. Мифы и легенды Древней Греции. / Н.А.Кун. - СПб.: Полигон, 2004.
- Лазарев В.Н. История византийской живописи. / В.Н.Лазарев. - М.: Искусство, 1986.
- Любимов Л.Д. Искусство Западной Европы. / Л.Д.Любимов. - М.: Астрель, 2003.
- Лясковская О.А. Французская готика. Архитектура, скульптура, витраж. / О.А.Лясковская. - М.: Искусство, 1973.
- Матье М.Э. Искусство Древнего Египта. / М.Э.Матье. - М.: Издательство В. Шевчук, 2010.
- Мифы в искусстве. Старом и новом. - М.: Современник, 1993.
- Райс Д. Искусство Византии. / Д.Райс. - М.: слово, 2002.
- Рычкова Ю.В. Краткая история живописи. / Ю.В.Рычкова. - М.: РИПОЛ КЛАССИК, 2002.
- Соколов Г.И. Искусство Древнего Рима. / Г.И.Соколов. - М.: Просвещение, 1996.
- Соколов Г.И. Искусство Древней Греции. / Г.И.Соколов. - М.: Искусство, 1980.
- Хеслвуд Дж. Искусство. / Дж. Хеслвуд. - М.: Астрель, 2001.
- Ходж С., Тейлор Д. ИСКУССТВО. Энциклопедия для детей. / С.Ходж, Д.Тейлор. - М.: «Манн, Ианов и Фербер», 2021.