«Хорошая живопись – это музыка, это мелодия»,
- говорил великий итальянский художник Микеланджело Буонарроти
Ил.1
Вступление
Изображения музыкальных инструментов в картинах художников разных эпох, одна из увлекательных и загадочных тем искусства для исследования. Рассматривая данную тему, мы убедились, что она, во-первых бесконечна, так как количество таких картин огромное множество в творчестве художников разных направлений. Во-вторых, данная тема даёт возможность расширить знания о музыкальных инструментах, особенно старинных и еще раз доказать, что взаимодействие этих видов искусств тесно связаны между собой.
Исследование проводилось при помощи следующих методов:
описание, сравнение, анализ художественных произведений, систематизация и обобщение полученной информации.
Музыкальные инструменты на картинах художников имеют определенный символический смысл. Хорошая живопись, как и хорошая музыка, вызывает в нас чувства, которыми художники наполняли свои картины – их певучесть, линии и краски создают определённый «музыкальный» ритм. Полотна сами по себе, конечно, не издают звуков, даже если на них изображены люди, играющие на каких-либо инструментах, Достигается это особыми выразительными приёмами, свойственными живописи. Вникнув в смысл изображения, можно лучше понять замысел и содержание картины, получить более яркое представление об эпохе, в которую она была создана.
Объект исследования: изобразительное искусство разных эпох.
Цель: познакомиться с художественными произведениями, на которых изображены музыкальные инструменты и «разгадать» символику их изображения.
Музыкальные инструменты интересовали многих художников, и часто становились главными героями их картин, рассказывающих свою неповторимую историю. Изображение музыкальных атрибутов и сцен музицирования занимает значительное место в живописи мировой художественной культуры.
Звучащая Музыка
Ил. 2
Многие композиции портрета, натюрморта и бытового жанра включали лютни, скрипки, флейты, верджинали и другие инструменты. Художники представляли в картинах струнные дуэты и семейные концерты, веселые компании с сопровождением солирующих музыкантов. Популярность этой темы отражала новые завоевания в искусстве и науки.
Ил. 3
Первые изображения музицирующих людей пришли к нам из глубокой древности.
В Египте на стенах храмов запечатлены целые музыкальные ансамбли - юноши и девушки, играющие на кифарах, лютнях, гобоях.
Ил. 4
Странствующие музыканты перед восхищённой толпой народа исполняли свои бесхитростные мелодии, извлечённые из волынок, дудочек, виол.
В самом конце XVI века в изобразительном искусстве сложился своеобразный жанр, в котором проявился необычайный интерес художников к точному воспроизведению музыкальных сочинений и инструментов на картинах и гравюрах.
Ил. 5
Символическое значение музыкальных инструментов в картинах европейских художников Средневековья, Возрождения и более позднего периода изучает наука, которая называется музыкальная иконография.
Многие музыкальные инструменты символизируют муз и являются их непременными атрибутами.
Ил. 6
Все музы, кроме Урании, имеют среди своих символов музыкальные инструменты. Почему? Объясняется это тем, что в античную эпоху стихи разных жанров исполнялись нараспев с музыкальным сопровождением. Поэтому и музы, покровительствовавшие разным поэтическим жанрам, имели каждая свой инструмент.
Играющие Ангелы
Ил. 7
С распространением христианства художники часто изображают ангелов с музыкальными инструментами.
Ил. 8
Орган, лютня, скрипка, флейта, арфа, цимбалы, тромбон, виола-да-гамба… Это далеко не полный перечень инструментов, на которых играют ангелы. Играют с таким вдохновением, что мы словно слышим музыку!
Ил. 9-12
Итальянский художник Мелоццо да Форли в середине XV века работал в Риме, где расписывал библиотеку Ватикана. Эти фрески принесли ему славу и поражают своим иллюзорным эффектом влетающих в окна ангелов и играющих на музыкальных инструментах. Поворот головы, взгляд, пальцы, перебирающие струны – каждая деталь его фресок наполнена жизнью.
Ил. 10
В картине Мартена де Воса «Коронование Марии» музицирующие ангелы разделены на два ансамбля. В нижней части картины они поют и играют на струнных инструментах. Второй ансамбль состоит из четырех ангелов, окружающих деву Марию.
Ансамбль внизу тоже распадается на две группы: четыре ангела слева (у одного басовая виола; трое поют по нотам) и три ангела справа (лютня, цитра и поющий ангел, все без нот). По этой картине можно судить о том, как составлялись музыкально – исполнительские ансамбли того времени.
Ил. 14
Не менее выразительны поющие ангелы на одной из створок Гентского алтаря. Хористы поют сосредоточенно, напряженно, с характерной мимикой. Прекрасными их делает не совершенство черт, а отблеск вдохновения на лицах.
Ил. 15
Обворожительны ангелы Сандро Боттичелли - мечтательно-отрешенные, невесомые, гибкие. Двадцать ангелов со всех сторон обрамляют основную сцену!
На крыше хижины ангелы поют традиционный рождественский хорал, а в поднебесье кружится ангельский хоровод.
Если мысленно убрать с картины ангелов – этот изумительно красивый ритмический узор исчезнет вместе с ними.
Ил. 16
Ко второй половине XVI века художники начинают интересоваться зрительной красотой музыкальных инструментов – это хорошо видно в картине «Музицирующие женщины» представителя Итальянского Возрождения Якопо Тинторетто, который в своем полотне сумел с мастерской точностью, передать эстетику самих инструментов.
Музыкальные аллегории
Ил. 17
Говоря о картинах представителей Северного Возрождения, следует отметить, что изображения музыкальных инструментов в этих произведениях зачастую носят основополагающий характер. Например, на картинах Иеронима Босха, великого мастера мистических фантасмагорий. Лютня постоянно возникает в аллегориях. Музыкальные инструменты у И.Босха часто оказываются рядом с изображениями трапезы, как символ искушения и греха.
Ил. 18
Недавно Оксфордские музыковеды завершили проект по созданию музыкальных инструментов, изображенных на знаменитом триптихе Босха "Сад земных наслаждений". Выяснилось, что большинство из них непригодны для игры, а те, на которых играть можно, звучат просто ужасно. На то, чтобы сконструировать десять инструментов с картины, у ученых и мастеров из оксфордского Музея музыкальных инструментов, ушло несколько месяцев. Триптих Босха "Сад земных наслаждений" считается самой известной картиной художника и хранится в Музее Прадо в Мадриде.
Ил.19
Говоря о европейской живописи 15-16 вв., мы обратились к творчеству великого немецкого живописца Ганса Гольбейна Младшего. На картине «Послы» изображены два молодых человека. Музыкальные инструменты в этом произведении не просто фон - они несут глубокий символический смысл, становясь полноценной частью сюжета произведения. Сразу можно заметить очень популярный тогда музыкальный инструмент – лютню. Если приглядеться внимательнее – можно увидеть, что у нее порвана одна струна. Порванная струна трактуется, как знак церковного раскола, который связан с реформами Мартина Лютера, а в открытой книге, изображенной рядом с лютней, на немецком языке изображены церковные гимны, переведенные Мартином Лютером.
Ил. 20-21
Интересны изображения музыкальных инструментов на полотне нидерландского живописца Яна Брейгеля Старшего «Слух».
Полотно входит в цикл пяти аллегорических изображений чувств. На фрагменте картины: клавесин, орган-позитив, тромбон, виола, барабан, набор поперечных флейт в футляре, теноровые виолы, скрипка, маленькие колокольчики и охотничьи рожки и многое другое. В данном случае предметная красота вещей стоит на одной высоте с семантической трактовкой музыкального инструмента.
Ил. 22
И хоть в старину, особенно в эпоху Ренессанса, живописцы несколько свысока смотрели на музыкантов, так как тогда царицей искусств была именно живопись, в некоторых картинах, изображающих музицирование, они старались подсказать зрителю, что же исполняется героями их сюжетов. Так, на полотне неизвестного мастера XVI века «Музыкантши», хранящемся в Эрмитаже, три молодые женщины занимаются музицированием. Перед ними – нотные листы. Теперь эти ноты расшифрованы. Оказалось, что женщины исполняют арию «Я дам вам радость» популярного в те времен композитора Клодена де Сермизи.
Или ещё пример. На картине итальянского художника эпохи Возрождения Микеланджело Караваджо «Лютнист», также из собрания Эрмитажа, юноша исполняет мадригал композитора Аркадельта «Вы знаете, что я вас люблю».
Разность в трактовке музыкальных инструментов в живописных шедеврах Европы позволяет нам сделать вывод о влияние культуры местности, страны в которой работает художник и модные тенденции, которым он подвержен и определяют своевременность процессов, происходящих в искусстве и в обществе в целом.
Музыкальные Натюрморты
Ил. 23
Натюрморты периода Ренессанса зачастую выполняли утилитарную функцию - маскируя пятно на стене или украшая створки шкафа. Как отдельный жанр в творчестве натюрморт будет сформирован только к XVII веку, в эпоху Барокко в творчестве голландских и фламандских художников. Натюрморты же с музыкальными инструментами этого периода носили, на первый взгляд, определенно философский характер. Однако, даже в неподвижных предметах присутствует накал страстей, тягость одиночества и ощущение трагичности.
В рамках барокко родился жанр Vanitas – натюрморты, символизирующие суету сует. Этот термин появился благодаря библейскому стиху из книги Ветхого Завета, авторство которой приписывается царю Соломону и гласит: «Суета сует, все суета». Такие картины повествовали о бренности человеческого бытия, мимолетности человеческой жизни и земных наслаждений. Нередко в таких натюрмортах присутствовали музыкальные инструменты.
Ил. 24
Некоторые картины так и назывались - Аллегория бренности, например, натюрморт нидерландского художника «Аллегория бренности и славы». Медная труба с ассоциировалась со славой и триумфом. Гипсовый слепок головы в лавровом венке – символ процветающего искусства. Серебряный кувшин, кошель с деньгами и шкатулка являлись традиционными символами богатства. Рукоятка меча и барабан указывали на воинскую доблесть и славу. Череп напоминал о смерти и бренной тщетности человеческих деяний.
Ил. 25
Питер Клас, выдающийся художник эпохи Барокко на полотне «Vanitas со скрипкой и стеклянным шаром» в отражении стеклянного шара написал свой автопортрет. В этой картине чувствуется присутствие самого художника, поэтому, несмотря на наличие черепа, она не производит угнетающего впечатления. Красивый стеклянный бокал перевернут, символизируя быстротечность удовольствий. Но скрипка пригодна для игры, способна издавать чарующие звуки, а значит, как не коротка жизнь, она прекрасна.
Ил. 26-27-28
Одним из художников, работавших в этом жанре, был итальянец Эваристо Баскенис. Мастер создал около 600 натюрмортов с музыкальными инструментами. Э.Баскенис сам был музыкантом, и его увлечение музыкой стало путеводной нитью его искусства. Художник прекрасно разбирался в музыкальных инструментах и изображал их с достоверной точностью. Э.Баскенис сделал скрипки, лютни и виолы, а также другие барочные музыкальные инструменты главными героями своих полотен. Особая любовь к изображению музыкальных инструментов связана, вероятно, с общеевропейской славой кремонских и брешианских торговцев музыкальными инструментами. Особенно Баскенис прославился великолепным изображением лютен, которые были сделаны мастерами знаменитой династии Амати.
Ил. 29
Отдельного внимания, на наш взгляд, заслуживают парный натюрморт еще одного выдающегося представителя барокко Бонавентура Беттера. На каждом полотне присутствует полосатая драпировка с правой и левой стороны - если картины будут висеть рядом, то изображения на них будут, как будто обрамлены занавесом.
Этот прием театрализации очень характерен для барокко. Присутствуют лютня, мандолина, скрипка, труба и глобус. Глобус, возможно, символизирует значение музыки на мировом уровне, ее распространенность по всему миру.
Ил. 30
Параллельно с барокко развивался другой стиль – Классицизм, сдержанный, тяготеющий к спокойствию и четкости. Натюрморт выдающегося представителя эпохи Просвещения Жана Батиста Симеона Шардена «Музыкальные инструменты и корзина с фруктами», представляет собой теплую, жизнерадостную картину.
Гитара с голубой лентой, флейта, ноты, бубен и корзина – все составляет единое целое с природой, окружающей эти предметы и является воплощением самой жизни.
Ил. 31
В восемнадцатом веке появляется новый, отличающийся от барокко стиль, получивший название «рококо», что переводится как «ракушка». Рококо воспевает красоту и вечную молодость, является легким и жизнерадостным стилем. Полотно одного из выдающихся представителей эпохи рококо, француза Жана Батиста Удри «Натюрморт со скрипкой», написанное в 1730 году, не несет в себе никакого философского подтекста, предоставляя возможность зрителю созерцать красивые вещи.
Ил. 32
Изображения музыкальных инструментов в XIX веке в стиле «импрессионизм» (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) вызывают у художников интерес из-за формы и цвета, красивое сочетание оттенков.
Великий французский современник импрессионизма Эдуард Мане в натюрморте «Гитара и шляпа» пишет предметы, лежащие в большой корзине - они словно больше не нужны и сложены совсем неаккуратно. Черные, белые пятна и красная линия ленты от гитары создают немного тревожное ощущение.
Ил. 33
Предвосхищая новые тенденции в живописи конца XIX - начала XX века, обратимся к великому французскому постимпремссионисту П.Сезанну. Вот что он писал: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо учиться писать на этих простых фигурах». То есть живопись для П.Сезана перестает быть просто копией реальности, она становится конструкцией. В полотне «Натюрморт с яблоками и трубой» П.Сезанн прибегает к деформации предметов, сознательно нарушает их симметрию. Яблоки наклонены, а на заднем плане возле камина мы видим клапан трубы.
Но почему именно труба? Труба – это один из древнейших музыкальных инструментов, предназначенных для оповещения человека о будущих событиях. Возможно, П.Сезанн противопоставляет символизму яблок, грустный оттенок чувства быстротечности времени.
Ил. 34
Фовисты, вслед за П.Сезанном, пойдут еще дальше. Fauve (фр.) – «дикий», «необузданный», «яростный» направление во французской живописи конца XIX — начала XX века. Художники-фовисты отрицают нормы и законы восприятия искусства: главная задача фовиста – запечатлеть яркость первого восприятия цвета.
На картине А. Матисса, мы видим открытое окно с видом на море. А.Матисс, боясь потерять зрение, брал уроки игры на скрипке. Белое пятно кресла, и кричащий синий цвет открытого футляра приводят наш взгляд к инструменту: он спокойно дремлет. Вся атмосфера композиции создает безмятежное настроение, радостный покой. Время тут как бы остановилось.
Ил. 35
Итак, двадцатый век в Европе - это время смены мировоззрения, кризиса культурных и нравственных ориентиров, но это время и научных открытий, научно-технического прогресса. Искания в области цвета и формы, новаторские подходы к изображению формируют эстетику авангардного натюрморта.
Кубизм (от франц. сube – куб) зародился во Франции в 1909 г. и существовал до начала 1920-х гг. Тема музыкальных инструментов представляла живой интерес художников-авангардистов. П.Пикассо было создано огромное количество натюрмортов, в которых главным объектом изображения была скрипка. Ощущаются различные материалы (шпатлевка с песком для создания шероховатой фактуры, эмаль, и уголь на холсте. Форма живет во времени, раскалывается распадается на холсте.
Ил. 36
Работа Ж.Брака «Скрипка и Палитра» транслирует лишь намек на реальность, предмет деформирован, как и в предыдущем натюрморте, различные углы восприятия наложены друг на друга.
Ил. 37
Эксперименты с пространством и временем на плоскости холста продолжили итальянские футуристы. Футуризм (лат. «futurum» – будущее) как направление возникает в Италии в 1909 году. Идеологом футуризма стал Филиппо Томмазо Маринетти – итальянский писатель, поэт. Футуристы были очарованы, вдохновлены ревом машинной цивилизации, культом научно-технического прогресса.
В натюрморте Рене Магритта с горящей трубой мы сталкиваемся с парадоксальностью сюжета. Движение и покой соеденины воедино: контраст полыхающего пламени, высвеченного черным фоном, и неподвижной трубы. Огонь и холод металла. Таинственное изображение, призвано передать отношение художника к непостигаемой сущности вещей.
Ил. 38
В работе С.Дали, по закону жанра мы снова поставлены перед загадкой. В этом сюжете, виолончель является лишь частью символического действа. Вещи агрессивны, в них не осталось их собственного бытия, они живут лишь в проекции переживаний С.Дали.
Ил. 39
Абстракционизм (от лат. abstractio – отвлечение) или «беспредметное искусство» возник в начале 1910-х гг. Вилли Баумейстер – одна из значительных фигур Арфы», в авангарда в Германии.
Работа «которой художник отчасти сохранил фигуративность, была сделана им под впечатлением от раскопок британского археолога в 1920 году. Художник увидел инструменты, которые датируются 2000 годом до нашей эры. Подобно рисункам наскальной живописи в своем натюрморте он создает эффектный контраст между черными фигурами и теплым фоном.
Заключение
Ил. 40
Выводы:
- Использование изображений музыкальных инструментов в произведениях искусства обусловлено тесной связью музыки и живописи.
- Вникнув в смысл изображения, становится понятен замысел и содержание картины.
- Художники обращались к подобным сюжетам в разные исторические эпохи: с древнейших времен и до современности.
Каждая картина художника стремилась быть посланием. И чтение этого послания требовало понимания языка символов, в том числе и знания символики музыкальных инструментов разных эпох.
Спасибо за внимание!
Список литературы
- Майкапар А. / Святая Цецилия "ЗРИМАЯ МУЗЫКА// Музыка в сюжетах vanitas // Европейская живопись и графика XIV-XIX веков".
- Бидерман Г. Энциклопедия знаков и символов.
- Багирова Л. Авториферат диссертации. Культурологические и психосемиотитеские аспекты музыкальной синопсии.
- Газарян С. В мире музыкальных инструментов.
Интернет-ресурсы
- http://www.mouseion.ru
- http://www.den-za-dnem.ru/big-files/Gal/project/p13aa1.html
- http://www.render.ru
- http://www.liveinternet.ru