Январь 2010 г.
Журнал «Эскиз» - периодическое издание, адресованное юным читателям
Журнал издается с 2000 года. Способствует эстетическому развитию. С его помощью можно познакомиться с архитектурой городов, крупнейшими музеями мира, живописью, скульптурой, народными промыслами, с кино и театром, компьютерной графикой, творчеством юных читателей.
Аудитория – дети 6-12 лет.
Характеристика журнала:
Периодичность – один раз в месяц.
Тираж – 7000 экземпляров.
Объем – 24 полосы.
Формат – 215X285.
Печать – 4+4 (полноцветная).
Обложка – глянцевая.
Журнал распространяется по подписке по России, странам СНГ и Балтии.
Постоянные рубрики журнала: «Мифы и легенды», «Тема номера», «Калейдоскоп», «Вернисаж», «Чудо света», «Дивертисмент», «Сыграем?», «Известно ли вам?», «Учимся», «Мастер-класс», «Моя коллекция», «Азбука искусства».
Раздел журнала «Мастер-класс» - пособие для уроков изобразительного искусства и эстетического воспитания
В журнале «Эскиз» с 2006 года появился новый раздел «Мастер-класс», с помощью которого юные читатели данного издания самостоятельно учатся рисовать, лепить, занимаются дизайном, знакомятся с различными видами изобразительного искусства. Они получают первые практические уроки рисования, лепки, аппликации, освоят технику народных росписей. Для родителей, воспитателей и педагогов даются поурочные рекомендации.
«Мастер-классы»:
Урок №1. «Контрастные и дополнительные»
В №8 2006 г. «Мастер-класс» дан на тему «Контрастные и дополнительные», где для читателей в доступной форме дается повторение азбуки живописной грамоты и дается конкурсное задание дописать картину Ван Гога, используя только цвета, указанные на палитре. Наглядно даются основные цвета, таблица контрастных сочетаний и цветовой круг, включающий дополнительные цвета, полученные при смешении основных. Для того, чтобы выполнить такое задание, дети знакомятся с картиной данного художника и стараются писать свою картину максимально похожей на оригинал.
Живописная грамота
1.Цвет – это свойство предметов отражать одни световые лучи и поглощать другие.
2. Белый цвет состоит из трех основных образующих цветов: желтого, синего и красного.
3. Любой составной цвет получается путем смешения двух первоначальных цветов и является дополнительным. Например, фиолетовый – это результат смешения синего и красного цветов.
4. Дополнительные цвета усиливают друг друга. То есть если поместить зеленый предмет рядом с красным, то и зеленый и красный цвета будут казаться еще ярче!
О композиции можно узнать из следующих номеров: №3 (2006 г.), №7 (2007 г.), №2 (2008 г.), №6 (2009 г.).
Урок №2. «Ахроматическая композиция»
Ахроматическая – значит бесцветная. По - гречески «а»-«без», «chromo»-«цвет». Проще говоря, это работа черно-белая. Но даже полное отсутствие цвета нисколько не ограничивает фантазию художника. Напротив, иногда работы, выполненные в такой манере, обладают большей выразительностью, лаконичностью, четкостью. Такую работу «на контрасте» любят дизайнеры и художники-графики. Каждому начинающему художнику ахроматическая работа поможет избавиться от излишней детализации и научит работать «пятнами». А это уже половина творческого успеха, ведь «формула» хорошей работы – «линия», плюс «пятно»…
Дальше предлагается образец ахроматической открытки. Работу разделили на 7 этапов. Можно нарисовать карандашом, тушью, черными чернилами или сделать аппликацию. Обязателен композиционный центр. В данном случае это ветка дерева и ваза.
Урок №3. «За окошком лето»
Лето – самая творчески активная пора. Особенно для тех, кто любит родную природу, любит свой край и, конечно, любит живопись. Художники- импрессионисты говорили, что только природа формирует настоящего художника. А это значит, что, следуя их призыву, нужно брать этюдники, краски, да просто бумагу и карандаши и идти на природу – «на пленэр».
В одном номере журнала дается несколько видов работы с акварелью (№7, 2007 г.).
Акварель по-сырому
1. Выполните предварительный рисунок карандашом: прорисуйте основные элементы пейзажа и грамотно расположите их на листе. Композиция должна быть «уравновешена».2. Слегка намочите лист и быстро пропишите основной цвет неба, крон деревьев и земли. При этом важно грамотно использовать свойство акварели вливаться «цвет в цвет».
3. Завершать работу нужно по-сухому. Только тогда получится прорисовать мелкие и четкие детали: стволы деревьев, забор, птиц…
Работа на тонированной бумаге
1. Возьмите лист тонированной бумаги и нанесите основные элементы будущей композиции.
2. Для такой работы больше подойдет гуашь: эта краска плотнее, а потому ровнее ляжет на бумагу. Проложите основные цвета.
3. Уточните рисунок при помощи белил.
4. На завершающем этапе можно пофантазировать. Если смешивать гуашь с авкарелью, можно получить великое множество цветовых нюансов: зелень в тени, одуванчики, цветы… Готово!
Акварель или смешанная техника
1. Выполнение пейзажа всегда начинайте с прорисовки грамотной композиции. Работайте карандашом легко, без нажима. Линии впоследствии не должны мешать работе.
2. Основной тон неба с облаками, воду и лес можно выполнить по-мокрому. Облака при этом получатся как настоящие, «пушистые». Цветовые отношения ищите на палитре, смешивая краски. Экспериментируйте с ними!
3. Завершая работу, усилье тени, подчеркните свет, приглушите второстепенные детали. При этом можно использовать цветные карандаши и мелки. В работе допустимо все, если результат хорош!
Урок №4. «Сырой пейзаж»
Техника акварельной живописи интересна именно тем, какие возможности открывают перед художником эти краски. Скорее всего, именно акварель потребуется первокласснику в школе на уроке. Однако это не значит, что акварелью работать так уж просто.
Существует несколько способов акварельной техники:
- «фонвизинская», когда краски словно втираются друг в друга;
- по сухому листу;
- по сырому листу;
- иллюстративно-декоративный.
Будем писать «по- сырому». Чтобы этюд получился легким и воздушным, работать в этой технике нужно быстро. Сразу после нанесения легкого рисунка карандашом смочите бумагу. Это можно сделать или прямо под краном, или мокрой тряпочкой, или большой кистью. Чтобы во время работы лист не высох, можно под него подложить влажную пеленку. Помните, что для этой работы нужна специальная акварельная бумага. Тонкая и глянцевая не подходят!
Большой кисточкой нанесите основные цветовые плоскости. Краску при этом берите «с запасом», потому что при высыхании акварель светлеет. Если же вам понадобится убрать излишки цвета и высветлить участок, используйте влажный кусочек ваты.
Пишите этюд, начиная с дальних планов. Помните, что воду лучше писать горизонтальными мазками, а кусты, деревья, цветы – вертикальными.
Когда работа слегка просохнет, можно нанести (если, конечно, это требуется) последние цветовые удары: тени, тонкие веточки, птиц в небе…
1. Рисуем простым карандашом. Обратите внимание на то, что небо занимает одну третью часть листа. Большую часть листа занимает озеро. Дальний берег делит горизонт на три части: первая треть – темные деревья, вторая – светлые деревья, последняя – задний план.
2. Смачиваем лист водой. На мокрый лист наносим охру светлую.
3. Лист должен оставаться мокрым. Разводим акварель с водой, пишем небо и воду. Вода должна быть чуть темнее неба. Разводим желто-оранжевую и светло-зеленую краску, наносим на мокрый лист: закрашиваем берег.
4. Главное – чтобы лист не успел просохнуть. Берем светло-зеленую краску, капельками добавляем в ближний берег. Разводим с водой черную, в получившуюся серую добавляем охру красную. Пишем камни. Потом отжимаем кисточку и точками протираем краску там, где должны быть светлые камни.
5. Если лист подсох, нужно его еще раз намочить, но так, чтобы не смазать рисунок. Смешиваем голубую и фиолетовую акварель и наносим на небо, не закрашивая облака. Теми же цветами делаем несколько мазков на воде.
6. Лист должен подсохнуть. Разводим черную краску в воде, в получившуюся серую добавляем и закрашиваем дальний берег.
7. Смешиваем охру красную и серый цвет, закрашиваем темные деревья на заднем плане.
8. Делаем прозрачную лужицу (черный, охра и вода), тонким слоем закрашиваем озеро.
9. Разводим черную краску и охру красную, закрашиваем крышу домика и куст. Охрой светлой делаем несколько крупных мазков на ближнем берегу.
Если краска не высохла, то сухой кисточкой протрите светлые стволы на темных деревьях, полоску воды перед домом. Если подсохла, то все это можно сделать белой гуашью. Шедевр готов!
Урок №5. «Когда композиция разлетается»
В этом номере журнала не дается готовый шаблон работы. Дети сами должны поразмышлять над композицией, автора которой не называют, которую мы бы назвали сверхдинамичной, потому что все персонажи танцуют. Их надо вырезать и расставить на сцене:
Из журнала дети узнают, что латинское слово «compozitio» в переводе означает «составление», «сочинение». Любой рисунок, любая живописная или декоративная работа начинаются с составления композиции. А это значит, что художник, начиная работу, должен поискать самое интересное расположение всех частей будущей картины. При этом важно все: количество персонажей или предметов, темные и яркие цветовые пятна, уровень горизонта (если он нужен), размер фрагментов в зависимости от перспективы… Композиции бывают разные: «устойчивые», «динамичные», «открытые» или «закрытые»…
Дается задание на мышление: Какую цель преследовал автор?
Бабочки должны разлететься или нет?
Урок №6. «Композиция»
Без композиции никакое произведение (от торта до дворцово-паркового ансамбля) не получится!
Композиция – это грамотное построение произведения: картины, музыкальной пьесы, книги…
Это такое сочетание всех элементов, при котором они связываются в единое целое. Если речь идет о произведении живописном, то главным экспертом выступает зрение.
Урок №7. «Натюрморт»
В №10 за 2009 г. дается задание придумать свой живописный вариант готового натюрморта, где на правом верхнем углу показывается авторский уголок и палитра основных цветов, которые использовал он в своей работе. Детям остается «пририсовать» все остальное.
Еще по натюрморту можно заглянуть в следующие два номера данного журнала: №1 (2006 г.), №5 (2009 г.).
Урок №8. «Натюрморт»
Изучая первый «Мастер-класс», дети научатся работе над учебным натюрмортом, который делится на 3 части: 1. Поиск композиции. 2. Рисунок. 3. Живопись. А учитель может подготовить поэтапный демонстрационный слайд на тему «Натюрморт», используя программу MS PowerPoin.
Урок №9. «Натюрморт»
Второй «Мастер-класс» посвящен теме «Низкий жанр высокого качества». С подсказки художницы Анны Брыскиной дети с помощью учителя могут научиться писать грамотный натюрморт.
Давным-давно, когда живопись была делом лишь избранного круга мастеров, считалось, что писать натюрморты – дело непрестижное. Что ее Величество История запомнит только тех, кто прославит свое имя в «высоких жанрах»: портрете, мифологии, баталии… Оказывается, есть целый ряд мастеров, которые посвятили свое творчество именно этому «низкому жанру». Действительно, это и сложно, и увлекательно – при отсутствии сюжета и абсолютной простоте композиции создать интересную для зрителя работу.
1. Наша первая задача – расположить будущий натюрморт так, чтобы ему не было слишком «просторно» на листе. Отступаем 4 сантиметра сверху, 5– снизу, по 2 слева и справа и отмечаем внешние границы постановки. Затем отмечаем расположение и контур предметов.
2. Внутри условных контуров немного прорабатываем форму каждого предмета. Теперь внешние контуры можно стереть. Но если вы нанесли их правильно (тонкими линиями), можно и не стирать, в процессе работы они исчезнут сами.
3. Для рисунка каждого круглого предмета нужно провести вертикальные центральные оси. Для кувшина проводим еще пять горизонтальных осей в местах, где он меняет форму. На них откладываем влево и вправо равные отрезки. На этих горизонтальных осях рисуем эллипсы: нижние – широкие, верхние – узкие. Когда эллипсы готовы, можно нарисовать точные контуры предметов.
4. Стираем все вспомогательные линии. На рисунке должны остаться только контуры предметов, оси предметов и эллипсы. Слегка заштриховываем предметы с учетом света и тени. В результате вся теневая часть должна быть заштрихована. Не забываем о падающих тенях, которые здесь лежат на горизонтальной поверхности.
5. Берем краски – гуашь или акварель. Первый живописный слой – прозрачный подмалевок. На этой стадии работы все краски должны очень светлыми, набирайте на кисточку больше воды. Слегка наметьте основные цвета предметов и драпировки. Лучше всего работать сразу несколькими кистями – для каждого света своей.
6. Продолжаем делать подмалевок (первый прозрачный живописный слой). На этой стадии работы нужно быстро наносить на лист все основные цвета (только не работайте, как маляр, цветовые пятна делайте не слишком большими). Работа должна «проявляться» на листе сразу вся. Только в этом случае можно контролировать все цветовые соотношения.
7. Отдохните, пока рисунок немного просохнет. А потом проверьте правильность цветовых соотношений. Если при высыхании работы изменился общий колорит, вам нужно уточнить его. Повторите всю работу снова: быстрыми крупными мазками нанесите основные цвета на предметы, драпировку и стол.
8. Подмалевок закончен. Теперь можно приступать к самой ответственной части работы. Теперь на кисть набирайте не воду, а краску. Старайтесь писать ярко с первого мазка, не замучивайте работу многократными «втираниями» краски в бумагу. Бумага пожухнет, «завянет», и пропадет свежесть акварели или яркость гуаши.
9. А теперь начните прорабатывать каждый фрагмент. Помните, что даже у каждой виноградины есть и собственная тень, и падающая. Писать виноград сложно. Не торопитесь, иногда давайте работе немного просохнуть. И по-прежнему работайте над всей композицией одновременно, не останавливайте внимание только на одном фрагменте.
10. Грамотный живописец знает, что в природе каждый предмет – это немного зеркало. Только блестящие поверхности отражают цвет соседнего предмета более ярко, а матовые поверхности практически незаметно для глаза. Поэтому помните о взаимодействии цветов.
11. В ходе всей работы не забывайте про тени. Они никогда не бывают черными, в них всегда присутствует цвет предмета. Помните и главную формулу живописи: если цвет теплый, то тени холодные, а если цвет холодный, то тени теплые. Если вы будете соблюдать все эти правили, то натюрморт получится замечательным!
Вот и выполнили натюрморт: композиция – фронтальная, колорит – теплый, золотисто-сиреневый.
Урок №10. «Городец»
Детский журнал «Эскиз» учит понимать и любить прекрасный мир культуры. В доступной и занимательной форме рассказывает о художественных шедеврах прошлого и настоящего. Дети 6-9 лет знакомятся с различными видами изобразительного искусства, где «Мастер-класс» начинается с короткой истории возникновения того или иного вида искусства. Например, в №10 2008 г. мы узнаем о «Городце»:
Еще в далеком XII веке на левом берегу Волги появилось большое село, названное Городец. Славилось село искусными кузнецами, красильщиками, пряничниками. Но особенно любили там плотничать и вырезать по дереву. Умельцы, мастерству которых дивился сам царь Петр I, украшали затейливой резьбой борта стругов, расшив и других судов, что строились тут же на Волге. С помощью простого долота и топора создавалось чудесное деревянное кружево, которым жители Городца стали вскоре украшать наличники, ворота и навесы своих домов. Для собственной надобности и на продажу вырезали они ложки, солонки, прялки, делали сундучки, точили игрушки, миски, чашки. А чтобы утварь эта и глаз радовала, стали ее расписывать яркими, сочными красками. Изображали нарядные цветочные гирлянды, крупные розы, лихих коней, диковинных птиц. Так 150 лет назад и появился на свет этот самобытный народный художественный промысел.
Городецкая роспись выполняется сразу кистью, без предварительных набросков карандашом. Ее элементы украшаются характерными штрихами. Сначала кисть едва касается бумаги, затем нажим усиливается и вновь ослабляется.
Познакомившись с историей возникновения городецкой росписи, дети с помощью художника Валентина Ковалищенко учатся сами рисовать:
1. Возьмите деревянную неокрашенную разделочную доску. Обработайте ее наждачной бумагой и покройте смесью воды и клея ПВА.
2. После того как доска высохнет, жесткой кистью покройте ее гуашью цвета красной охры.
3. Плоской мягкой кисточкой нарисуйте рамочку гуашью малинового цвета. Не забудьте этим же цветом прокрасить торцы доски.
4. Чуть выше центра доски нарисуйте фигуру петушка: туловище – изогнутую капельку – и хвостик миндалевидной формы. Для этого возьмите круглую мягкую кисть.
5. К туловищу – капельке тоненькой мягкой кистью снизу пририсуйте ножки, сверху – клюв (все детали рисунка состоят из простых фигур и линий). Нарисуйте гребешок и бородку, они тоже имеют форму капельки.
6. В свободной части доски обозначьте будущие цветы и листья. Форма цветка – круг, литика – капля. Подбирайте для цветочков розовые, малиновые, сиреневые оттенки красок. Для листьев лучше смешать изумрудный зеленый с белилами.
7. Нарисуйте петушку перья на хвосте (их форма – слегка изогнутая дуга), крылья. Используйте два цвета, гармонирующих друг с другом. Например, малиновый и сиреневый.
8. Сделайте на петушке «оживку». Белилами и тонкой кистью подчеркните форму некоторых деталей, сделайте блики на гребешке и бородке, дорисуйте перья на хвосте, шейке. Используйте разные способы и приемы рисования: точки, линии, обводку, примакивание и др.
9. Цветочкам нарисуйте сердцевинки, лепесточки и другие детали. Каждую линию старайтесь проводить один раз, для этого используйте мягкие круглые кисти с тонким кончиком.
10. Сделайте «оживку» на цветах. Используйте элементы: капельки-примакивания, дуги, спирали, сеточки, точки и др. Черная обводка – завершающий этап росписи. Она делает работу ярче и привлекательнее.
11. Разделочная доска готова. Осталось лишь после высыхания покрыть ее лаком для дерева.
Урок №11. «Матрешка»
Историю матрешки можно найти в №10 (2007 г.) журнала:
«Первая русская матрешка родилась в самом конце XIX века в мастерской «Детское воспитание». Токарь В. Звездочкин сделал ее восьмиместной. А расписал ее известный художник Малютин, превратив деревянную заготовку в прелестную девчушку Матрену, одетую в традиционный русский костюм – платок, сарафан и передник. Вскоре матрешка «переселилась» в Сергиев Посад, где издавна находился известный на всю Россию промысел деревянной игрушки.
«Прародительницией» русской матрешки можно считать японскую куклу Фукуруму, которую привезла из Японии в конце XIX века Елизавета Григорьевна Мамонтова – хозяйка знаменитой усадьбы Абрамцево. Три деревянные куколки были спрятаны одна в другой.
Традиционная матрешка всегда изображает женщину. Имя Матрена происходит от латинского слова «матрона» - так в Древнем Риме называли почтенную женщину, мать семейства.
В 1900 году матрешка «поехала» на всемирную выставку в Париж и сразу завоевала там всеобщую симпатию. А с 1904 года сергиево-посадская мастерская начала выполнять матрешки по заказу Англии, Германии, Америки и Японии.
В мировой истории искусства матрешка – молодое произведение. Но в ней так ярко выражен характер и стиль, что из куклы для детских игр она давно превратилась в полюбившийся во всем мире сувенир – нарядную посланницу земли русской!
Как же рождается матрешка? Прежде всего за дело берется токарь. Деревянные заготовки из липовых или березовых бревен он начинает точить с самой маленькой – неразъемной.
Затем делает следующую складную, и так до самой большой. Даже у заготовки есть свой характер и особенности: широкоплечие и хрупкие, коренастые и длинноногие – они подсказывают варианты росписи. И несмотря на ограниченные портретные средства выражения, лица у всех бесконечно разные!»
В «Мастер-классе» даются элементы росписи русских деревянных игрушек и последовательность выполнения росписи полхово-майданских матрешек. Сначала на матрешку наносят контурный рисунок, затем – желтый цвет на те места, где он должен быть. Потом – красный и зеленый. Перекрывая желтый цвет алым и синим, получают ярко-красный и ярко-зеленый.
В конце урока дается задание создать эскиз росписи матрешки:
Урок №12. «Орнамент»
При изучении темы «Орнамент» можно познакомить с материалом журнала №11 (2008 г.) «Индия – это орнамент». За две с половиной тысячи лет своей истории Индия довела искусство орнамента до совершенства. Оно стало основой и ювелирного искусства, и ткачества, и книжной миниатюры, и архитектурного декора. Индийский орнамент делится на 3 главных вида: геометрический, растительный и зоологический. В геометрическом ромбы, круги, треугольники чередуются по прямой или по кругу. Растительный – это лотосы, ирися, гвоздики, тюльпаны, цветы граната, традиционные «индийские огурцы», переплетающиеся со стеблями пальмы, кипариса. А зоологический содержит изображения священных животных: слонов, крокодилов, змей…
Индийский орнамент перегружен деталями, краски очень яркие и контрастные. Веками складывалась и по сей день бережно сохраняется традиция декорировать орнаментом все, что связано с жизнью человека: его одежду, жилище, посуду… Например, традиционный орнамент сари – геометрический, а кашмирских шалей – растительный. Все индийские вазы декорированы орнаментом зоологическим, в котором главные персонажи – рыбы и птицы. В украшении мебели часто встречаются изображения слонов, баранов, оленей… На стенах храмов можно увидеть орнамент растительный, а на потолках – птицы и цветы. Вышивальшицы тоже черпают вдохновение в цветочных узорах, а ювелирам вообще фантазии не занимать! Они недаром считаются лучшими в мире: любой орнамент превратят в роскошный!
В этом номере даются схемы-сетки построения круглого и квадратного орнаментов. Они раскрывают секрет любого орнамента, не только индийского. Ведь главное в них – порядок чередования элементов. Можно дать детям задание нарисовать свой вариант орнамента: либо круглый, либо квадратный.
Три следующих номера можно объединить под тему одну «Портрет»: «Живая линия» (№8, 2008 г.), «Рисуем портрет вместе с Карлом Брюлловым» (№3, 2007 г.), «Рисунок гипсовой головы» (№6, 2008 г.).
Урок №13. «Живая линия»
С чего начинается рисунок? С того, что художник берет карандаш и начинает рисовать линию. Короткую или длинную, толстую или тонкую, яркую или светлую… Из любых, даже неправильных линий рождается рисунок.
Линия – главный элемент рисунка. Функции линий могут быть различны. Начинать работу надо с легких светлых линий. В этот момент они носят лишь вспомогательный характер: намечают границы будущего рисунка, отделяют его от пространства листа, намечают пропорции, прорисовывают отдельные части.
В ходе работы линии буквально «изучают» форму. Интересно, что художники редко пользуются ластиком. Просто начальные линии, светлые и робкие, постепенно пропадают среди более ярких, уверенных и выразителтных. Если приглядеться к работам великих мастеров, на быстром, лаконичном рисунке Валентина Серова или на рисунке Энгра линии то усиливаютсч, то слабеют, то приближаются, то удаляются и совсем исчезают. При помощи такой «живой» линии художник может решить самые сложные задачи. Напрмер, можно только толщиной и яркостью линий передать перспективу. Линии, находящиеся на первом плане, должны быть ярче, увереннее. Уходящие вдаль линии теряют яркость и толщину. Все в соответствии с законами перспективы. Рисунок-портрет балерины Тамары Карсавиной, выполненный Валентином Серовым, стал классическим примером выразительного линейного рисунка. Каждая линия этого портрета пластически и анатомически просто идеальна. Добиться такого совершенного рисунка совсем не просто. На это уходят годы работы над натурными зарисовками.
Но наряду с такими пространственными линиями существуют плоские, весьма условные и однообразные линии, с одинаковым безразличием очерчивающие контуры фигур и предметов. Они не передают ни свет, ни перспективу. Такими линиями обычно работают начинающие художники. Не понимая, что линия в рисунке не является итогом кропотливой работы над формой, и совершенно не разбираясь в вопросах пространства, они обращают внимание только на контурные очертания предметов. Это чисто механическое копирование. Контур завершает работу, а не начинает ее. Итак, линии бывают пространственными и плоскостными. Использовать их можно в равной мере, но очень осторожно.
Урок №14. «Рисунок гипсовой головы»
Следующий урок: «Рисунок гипсовой головы». Урок ведут преподаватели Российской академии художеств:
Начиная рисовать голову, нужно прежде всего позаботиться о ее постановке и освещении. Ее объем лучше всего выявляет искусственный источник света, освещающий голову сверху под углом в 45˚. В зависимости от поставленных задач источник света можно перемещать, освещая модель с различных сторон и расстояний. Фон для гипсовой головы необходимо брать темнее освещенных ее частей и светлее частей, находящихся в тени. Для ярко освещенной голвы лучше всего ровный серый фон: около ее светлых поверхностей он будет казаться темнее, а у темных мест – высветляться. Этот оптический закон контрастности играет большую роль при передаче формы в пространстве.
Для первых рисунков голову принято помещать на такой высоте, чтобы уровень глаз рисующего находился на линии глаз модели. Одним из главных условий работы является сохранение в процессе рисования положения натуры и постоянной точки зрения на нее. Поэтому следите за тем, чтобы от движения голвы или туловища рисующего не изменилась точка зрения или линия горизонта.
Не следует садиться ни слишком близко, ни слишком далеко от модели. Наилучшим является расстояние, равное тройной величине модели по вертикали. Такое расстояние позволит следить за общим построением и хорошо видеть детали.
Вначале положение головы и шеи в фас при отсутствии внешних опорных точек определяется с помощью вертикали и горизонтали: намечается линия от середины лба до середины подбородка, проводятся также линии, определяющие напрвления глаз и других размещающихся параллельно им форм. Определив соотношение высоты и ширины модели следует обозначить ее общий овал и положение шеи, затем наметить основной объем головы, отделяя для этого лицевую поверхность головы от поверхностей, идущих к затылку. На этом общем объеме головы можно более точно определить положение и пропорции отдельных частей.
Намечая основные части лица (расположение глаз, лба, носа, рта, подбородка), сравнивайте их размеры по отношению не только друг к другу, но и ко всей форме головы. В противном случае, даже если найдены правильные пропорции отдельных частей, общая форма головы может оказаться неверной.
Неточности в основных пропорциях повлекут за собой бесчисленное количество ошибок, которые заставят рисовальщика переделывать рисунок заново.
Выявляя основные поверхности, не следует опасаться некоторой на первых порах упрощенности и резкости в их трактовке. Правильное понимание объема головы, характера ее основной формы, умение увидеть взаимосвязь всех ее частей несравненно важнее преждевременного вырисовывания мелких деталей – бровей, зрачков, ноздрей, к которому так склонны малоопытные рисовальщики. Необходимо помнить, что о объемном построении головы нужно идти таким же тутем, как идет скульптор, который не имеет возможности начать свою работу ни с контура, ни с деталей, а начинает напременно с больших поверхностей, образующих данный объем.
Когда вы намечаете поверхность формы, вводите легкую светотень, оставляя для светлых мест чистую бумагу и покрывая штрихом тени. Это придаст рисунку первоначальное объемное выражение.
Следующей стадией рисунка головы является передача ее пластической формы. Для этого нужно проследить переход одной поверхностив другую, причем он может быть или постепенным, или резким.
Для того, чтобы не разделять рисование головы на отдельные искусственные этапы и сохранить непрерывную последовательность в решении возникающих в процессе работы задач, переход к рисованию деталей должен быть постепенным и почти незаметным. Уточняя, например, обобщенную первоначальную форму носа, наблюдая его в деталях, рисующий должен отметить и показать на рисунке, что различные по тону и характеру четыре его поверхности являются местом расположения более мелких форм – крыльев носа, ноздрей, кончика носа, - весьма разнообразных по форме: округлых, тупых, острых.
Такое же постепенное уточнение первоначально намеченных форм и наполнение их формами соподчиненными должно иметь место и в ирсовании всех частей: глаз, губ, подбородка.
Исполнение рисунка не должно резко делиться на рисование контура и последующую тушевку. Рисуя линиями, с самого начала помните о форме, которую они обозначают, намечайте легкой светотенью поверхности, образующие объем, оставляя для освещенных мест чистую бумагу и закрывая однотонной тушевкой тени.
Чтобы не перечернить рисунок (что очень часто бывает у маоопытных рисовальщиков), нужно прежде всего найти предельную силу тени на гипсе, по отношению к которой и выдерживать и общий тон рисунка; при этом хорошо иметь перед глазами кусочек черного бархата или зачерненной бумаги, сравнительно с которыми самую глубокую тень на гипсе придется взять более легкой и прозрачной.
На академическом рисунке головы Александра Серова, выполненном И.Е. Репиным, можно наблюдать четко отработанные детали, объединенные тоном в единое целое. Падающий сверху свет книзу постепенно слабеет, утрачивая свою силу и контрастность. Боковые поверхности лица, сокращаясь в глубину, выделяют переднюю его часть, чему способствуют подчеркнутые глубокой тенью формы глазниц, губ и основания носа. Взятый правильно фон помогает передавать освещенную форму в пространстве.
Урок №15. «Рисуем портрет»
Завершающее занятие: «Рисуем портрет вместе с Карлом Брюлловым».
Самым важным условием при создании портрета является сходство изображения с моделью. Но правильно нарисованные черты лица еще не гарантируют этого сходства. Работая над портретом, художник рисует не бездушный гипсовый слепок, а конкретного человека с его проблемами, заботами, сложным духовным миром.
Как нарисовать именно это? Вот и получается, что отношение самого художника к модели отражается в трактовке образа и придает ему (портрету) «авторскую окраску». В воспоминаниях самых именитых художников можно прочитать, что работа над портретом человека, который был им несимпатичен, заканчивалась неудачей. Надо «влюбиться » в модель. Это условие – гарантия успеха!
В конце этого урока дается такое задание: «Дорисуй набросок Карла Брюллова к портрету У.М. Смирновой. Вдруг у тебя получится лучше. Свой вариант присылай в редакцию до 1 июля.»
Урок №16. «Пушистая живопись»
К сожалению, в школах на уроках изобразительного искусства практически не учат изображать представителей животного мира. Да и во многих художественных заведениях не уделяют должного внимания этому «специальному» рисунку. Иногда создается впечатление «ненужности зверя в искусстве». Но это категорически не так! Животные обладают совершенной грацией и пластикой.
В «Мастер-классе» художника Екатерины Куклачевой на тему «Живопись» дается урок «Пушистая живопись» (№1, 2008 г.). Фамилия Куклачевых известна особенно любителям цирка и любителям кошек. Знаменитый дрессировщик Юрий Куклачев – глава большой и дружной семьи. Катя – его дочь. Пушистую папину цирковую труппу она всегда очень любила, но с самого детства мечтала стать... не дрессировщицей. Больше всего на свете ей нравилось рисовать. Свои первые «шедевры» она начала выдавать тогда, когда ей было два с половиной года. Пеперь она – профессиональный живописец.
В «Мастер-классе» она показывает работу в технике пуантилизма. Пуантилизм – письмо отдельными четкими мазками в виде точек. На холст наносятся «чистые» краски, не смешанные на палитре. Глаза сами «смешают» маленькие цветные пятнышки. Это называется «оптическим смешением». Такие картины лучше всего рассматривать немного издалека.
1. Сначала рисуем контур карандашом и слегка тонируем его.
2. Заранее подбираем 3-4 родственных цвета. Например, желтый, красный, оранжевый.
3. Наносим на работу много точек одного цвета.
4. Поочередно добавляем точки других цветов.
5. Старайтесь, чтобы точки не попадали одна на другую.
6. Получился любимый котик Филя.
Урок №17. «Зарисовки анималиста»
Второй по этой теме урок ведется на тему «Зарисовки анималиста» (№5, 2007 г.):
Попробуйте передать в рисунке характерную грацию и пластику животных. Обратите внимание на гармонию цветовых соотношений – упражняйтесь в живописных набросках. И как можно больше рисуйте с натуры. Если любите рассказы о животных, делайте к ним иллюстрации. Не стремитесь начать изучение животного с анатомии. Начинать надо с тренировки глазомера. Пусть ваш рисунок будет не совсем точным, важно, чтобы он был искренним. Художник Валентин Серов говорил: «Бери от натуры только то, что нужно, а не все!» А вот художник-анималист Дмитрий Владимирович Горлов писал в руководстве к рисованию животных: «Никогда не рисуйте чучела, ибо более мертвой натуры выдумать нельзя. Необходимо воспитывать в себе ощущение живого. Заведите себе собаку, с короткой шерстью и стоячими ушами, а еще лучше – собаку и кошку, чтобы систематически рисовать их».
Первым блестящим русским анималистом конца XIX века был Валентин Александрович Серов. Он очень тонко чувствовал внутренний мир зверя. Он не очеловечивал животных, а в их образах выражал людские характеры и недостатки. У каждого художника-анималиста есть свой любимый зверь: у Ватагина – обезьяны, у Комарова – мишки, у Горлова – волк. Если ты хочешь стать анималистом, то тебе нужно:
- выбрать зверя, который наиболее тебе симпатичен;
- читать литературу о животных;
- познакомиться с тем, как изображают животных другие мастера;
- рисовать не только зверей, но и деревья, ветки, траву, цветы и, конечно, человека.
В этом номере даются иллюстрации к повести Р. Киплинга «Маугли» ( В. Ватагин), к басням И. Крылова «Ворона», «Волк и журавль», «Лев состарившийся» (В. Серов) и «Этюды зверей» П. Рубенса. По иллюстрациям из альбома К. Хокусай «Ускоренное руководство по рисованию» можно научиться рисованию животных. Еще можно обратить внимание детей на работы великих художников, где изображены всадники. Образ воина, сидящего на коне (а тем более на вздыбленном коне), всегда привлекал художников исторического жанра. Всадник и лошадь, словно единое целое, воплощают мужественность, силу и грацию. Очень важно правильно передать движение лошади, посадку воина и, конечно, его «обмундирование». И вот что удивительно: рисовать всадников любят не только мальчики, но и девочки.
Урок №18. «Такие разные всадники»
Картину В.М. Васнецова «Витязь на распутье» знают все.
Задание:
Найди репродукцию картины, внимательно рассмотри, а потом (ПО ПАМЯТИ) раскрась ее карандашами и вклей детали, которые убрали с картины.
> 
В журнале «Эскиз» кроме уроков по изобразительному искусству даются на разные темы творческие и развивающие «Мастер-классы»: «Карвинг» (№7, 2008 г.), «Плетем вазу» (№9, 2008 г.), «Бумажная пластика» (№10, 2006 г.), «Пластилиновые забавы» (№2, 2007 г.), «Коллаж» (№4, 2007 г.), «Веселая Африка» (№8, 2007 г.), «Цветущая сакура» (№5, 2008 г.), «Цветы многолетние» (№3, 2008 г.), «Бумажный сад» (№2, 2009 г.), «Фонарик на счастье» (№11, 2009 г.).
Современный урок изобразительного искусства – это также и обязательное знакомство с темами, которые не предполагают отработки, то есть расширяющими кругозор ученика, формирующими его мотивацию к изучению предмета, направленными на зону его ближайшего развития, прогнозирующими продолжение изучения изобразительного искусства. Важно, чтобы при изучении той или иной темы были предусмотрены такие задания, формы организации деятельности учеников на уроке, чтобы в процессе овладения собственно предметными действиями у учеников одновременно формировались универсальные учебные действия. Например, при обсуждении проблемного вопроса ученики учатся ведению дискуссии: умению задавать вопросы, приводить собственные аргументы, критически оценивать высказанное, учитывать позицию собеседника, - так это и есть метапредметные универсальные учебные действия. Именно они впоследствии пригодятся ученику как активному члену общества: ему придется участвовать в обсуждениях, учитывать различные точки зрения и проявлять к ним уважение даже в том случае, если позиция собеседника расходится с его собственной, и т.п.
Можно отметить, что весь процесс обучения школьников изобразительному искусству формирует у них не только живой интерес к окружающему миру, но и является сильным средством развития их творческой и познавательной активности.
Детский журнал об искусстве «Эскиз» адресован как детям младшего школьного возраста, так и родителям, и учителям, интересующимся разнообразным миром искусства. По страницам красочно иллюстрированного журнала можно отправиться по извилистой и увлекательной тропке искусства, посетить знаменитые музеи всего мира, познакомиться с историческими личностями, с историей костюма, даже участвовать на разных конкурсах и художественных выставках.
Учитель по материалам журнала «Эскиз» может подготовить задания с элементами творчества, составить дидактические игры, которые помогают активизировать познавательную деятельность учащихся и сформировать интерес к предмету «Изобразительное искусство».