…Я не знаю, какими эпитетами еще выразить свой
восторг перед
искусством, перед его произведениями, перед той
ролью, которую оно
играет в жизни человечества. И самая большая
ценность, которой
награждает человека искусство, -- это ценность
доброты. Награжденный
даром понимать искусство, человек становится
нравственно лучше, а
следовательно, и счастливее.
Д.С. Лихачев
Как один из ведущих учебных предметов общеобразовательной школы литература связана с целым рядом других учебных дисциплин. Вооружая школьников широкими познаниями мира и человека, литература вступает во взаимодействие с историей, обществознанием, изобразительным искусством, музыкой…
Программа по литературе для 10-11-ых классов направлена не только на изучение историко-литературного процесса, но и на духовное становление личности учащихся, расширение кругозора, воспитание чувства прекрасного. С этой целью в программу по литературе для старших классов включена разработанная мною система обобщающих итоговых уроков по некоторым основополагающим темам курса: творчеству А.Н. Островского, И.С. Тургенева, Н.А. Некрасова, Л.Н. Толстого, А.П. Чехова. Эти уроки позволяют учащимся активно включаться в творческий процесс, развивать свои способности в той или иной области: инсценировка, вокал, восприятие произведений классического музыкального искусства и произведений живописи.
По выражению психолога Л.С. Выготского, “эмоции в искусстве – суть умные эмоции”. Именно по этой причине в моей учительской практике произведениям искусства отведена немаловажная роль. Их использование на уроках литературы имеет различные по своей значимости цели. Иногда музыкальное произведение служит фоном для создания настроения, помогающего восприятию литературного материала. А в некоторых случаях комментарий к произведению живописи является ключом к пониманию идейного смысла произведения литературы (поэма М.Ю. Лермонтова “Демон” и картина М.А. Врубеля “Демон сидящий”).
Я хочу поделиться опытом работы по использованию на уроках литературы произведений изобразительного искусства. Мой интерес к этой области знаний вполне обоснован. Живопись люблю с детства. Владею некоторыми основами изобразительной грамоты. Интересом к изобразительному искусству я во многом обязана и моему брату-художнику. В круге моего чтения большое место занимают книги по искусству, а также произведения о жизни и творчестве русских и зарубежных художников. Наконец, живопись – это то, что иногда является для меня одним из способов самовыражения, и я изредка сама берусь за кисть.
Итак, уроки литературы и произведения искусства. Литература и живопись. Эти два вида искусства имеют свойство взаимопроникновения и часто сочетаются в одной творческой личности. Приведем несколько примеров. Рисовальщиками были А. Пушкин и М. Лермонтов, серьезно увлекался живописью В. Хлебников.
И наоборот. Писали стихи художники М. Ларионов и П. Филонов, К. Малевич и В. Кандинский, Ю. Анненков и М. Шагал. По словам Е. Евтушенко, “они не стали художниками слова, но они были поэтами в живописи”. И, может быть, их поэтический дар способствовал тому, что они стали замечательными художниками.
Еще один яркий пример. Известный всему миру, Сальвадор Дали, создавший 1200 картин, тысячи рисунков, скульптур, гравюр, является еще и автором свыше двадцати литературных произведений (романов, стихов, киносценариев), а также балетного либретто.
Думаю, примеров достаточно. Теперь обратимся непосредственно к использованию произведений живописи в процессе урока и остановимся на том его этапе, когда комментарий к произведению искусства становится ключом к пониманию идеи труда литературного. Вернемся к упомянутым выше поэме М. Лермонтова “Демон” и картине М. Врубеля “Демон сидящий”.
Тиран-бог за бунт не только изгнал Демона из рая, он своим проклятием испепелил его душу. Изгнанник – одинокий мятежник – бессилен в своем негодовании против бога. На картине Врубель изобразил своего героя сильным, красивым юношей с длинными мускулистыми руками, удивительно беспомощно сложенными. Воспаленные, запекшиеся губы. В чертах лица, в глазах – бесконечная тоска. И одиночество. Рядом с Демоном камень. Он прожжен слезой. Одной-единственной. Какова же глубина страдания юноши, если слеза прожгла камень!
Этот комментарий – ключ к пониманию поэмы.
Особенно интересным, на мой взгляд, является сопоставление поэзии и живописи
при изучении в 11-ом классе обзорной темы “Модернистские течения в поэзии Серебряного века”. На ее изучение я отвожу два учебных часа. В рамках литературного материала учащиеся получают знания о символизме, акмеизме футуризме и других “измах”. Для лучшего восприятия темы учащимися считаю важным подчеркнуть мысль о том, что модернизм, выразившийся прежде всего в поиске новых форм, в отрицании классических традиций в поэзии, стал настоящим обретением. Он дал яркий всплеск творчества, новые имена, замечательные произведения. Но, с другой стороны, модернизм был и утратой, так как чрезмерное увлечение формой вело порой к потере содержательности в поэзии. В этой связи наиболее приемлемым и интересным является сопоставление модернистских течений в живописи с русским футуризмом. Начнем с литературного аспекта проблемы.
Футуризм (лат. futurum – будущее) распадался на несколько группировок: “Ассоциация эгофутуристов” (И. Северянин), “Мезонин поэзии” (В. Лавренев, Р. Ивнев), “Центрифуга” (Н. Асеев, Б. Пастернак), “Гилея” (кубофутуристы, будетляне – “люди из будущего” -- Д. Бурлюк, В. Маяковский, В. Хлебников).
Футуристы были одержимы идеей разрушения старого мира. Недаром одно из важнейших футуристических изданий самоопределилось именно как пощечина общественному вкусу – в этом содержится указание на конфликтность и полемичность по отношению к предшественникам.
Художественной системе футуризма свойственны:
- культ техники индустриальных городов;
- отрицание гармонии как принципа искусства;
- словесные деформации, напряженный интерес к “самовитому слову”, неологизму, к игровому началу;
- абсолютизация динамики и силы, творческого произвола художника;
- пафос эпатажа.
Прекрасной иллюстрацией к вышесказанному является чтение стихов поэтов-футуристов
В. Хлебников
Еще раз, еще раз
Я для вас
Звезда.
Горе моряку, взявшему
Неверный угол своей ладьи
И звезды;
Он разобьется о камни,
О подводные мели.
Горе и вам, взявшим
Неверный угол сердца ко мне:
Вы разобьетесь о камни,
И камни будут надсмехаться
Над вами,
Как вы надсмехались
Надо мной.
Татлин, тайновидец лопастей
И винта певец суровый,
Из отряда солнцеловов.
Паутинный дол снастей
Он железною подковой
Рукой мертвой завязал…
Игорь Северянин
Эгополонез
Живи, Живое! Под солнца бубны
Смелее, люди, в свой полонез!
Как плодоносны: как златотрубны
Снопы ржаные моих поэз!
В них водопадит Любовь и Нега,
И Наслажденье, и Красота!
Все жертвы мира во имя Эго!
Живи, Живое! – поют уста.
Во всей вселенной нас только двое,
И эти двое – всегда одно:
Я и Желанье! Живи, Живое! –
Тебе бессмертье предрешено!
Владимир Маяковский
А вы могли бы?
Я сразу смазал карту будня,
плеснувши краску из стакана;
я показал на блюде студня
косые скулы океана.
На чешуе жестяной рыбы
прочел я зовы новых губ.
А вы
ноктюрн сыграть
могли бы
на флейте водосточных труб?
В том же временном пространстве, в котором формировалась поэзия Серебряного века, шло активное формирование модернистских течений в живописи. Так же, как и в поэтическом творчестве, идет поиск новых форм, отрицающих классическое искусство. Широкое распространение получает абстрактное искусство. Одним из его основоположников был Василий Васильевич Кандинский (1886-1944). В 1920 году он организовал в Москве Институт художественной культуры (Инхук), лозунгом которого было аналитическое и синтетическое исследование искусства. Кандинский по праву считается одним из величайших художников-модернистов 20 века (см. иллюстративное приложение №1).
В своей теории беспредметного искусства Кандинский опирался на идею выразительных возможностей пятна, линии и орнаментального построения изображения. Свою теорию художник изложил в книге “О духовном в искусстве” и на ее основе создал серию картин. Некоторые из них носят одинаковые названия “Композиция” и имеют порядковый номер. Подобные наименования связаны и с творчеством других художников-модернистов.
С деятельностью Инхук связано имя знаменитого художника-авангардиста Александра Михайловича Родченко (1891-1956). В первые послереволюционные годы Родченко разделял взгляды кубофутуристов, а затем стал одним из основоположников русского конструктивизма (см. приложение№2). Творчество Родченко было полностью экспериментально, он был одним из новаторов художественной фотографии, разрабатывал принципы дизайна в конструктивистском духе.
Одним из направлений абстрактного искусства был супрематизм. Его создатель – Казимир Северинович Малевич. Вот что декларировал он в своей книге “От кубизма и футуризма к супрематизму”:
“Я говорю всем: бросьте любовь, бросьте
эстетизм, бросьте чемоданы мудрости, ибо в новой
культуре ваша мудрость смешна и ничтожна.
Я развязал узлы мудрости и освободил сознание
краски!
Снимайте же с себя огрубевшую кожу столетий, чтоб
вам было легче догнать нас.
Я преодолел невозможное и пропасти сделал своим
дыханием.
Вы в сетях горизонта, как рыбы!
Мы, супрематисты, бросаем вам дорогу!
Спешите!
Ибо завтра не узнаете нас”.
Трудно сказать, что более весомо в этих словах – убежденность живописца или поэтическое звучание, необычная образность языка… Мне же в этих строчках слышится еще и перекличка со строчками манифеста поэтов-футуристов, предлагавших сбросить классическое наследие с “парохода современности”.
Супрематизм (от латинского supremus – наивысший) – сочетание окрашенных простейших геометрически фигур (квадрат, круг, треугольник), а также “архитектоны” – наложенные на плоскость объемные формы. Эстетические принципы нового направления нашли выражение в его картине “Супрематизм”, а также в целой серии работ, в которых и форма, и содержание воплощены в простейшей геометрической форме черного и красного квадратов (см. приложение №3, 4).
В уже названной книге, выдержавшей к 1916 году три издания, Малевич писал: “Художник может быть творцом тогда, когда формы его картины не имеют ничего общего с натурой. А искусство – это умение создать конструкцию, вытекающую из взаимоотношений форм и цвета, и не на основании эстетического вкуса красивости и композиции построения – а на основании веса, скорости и направления движения…Самоценное в живописном творчестве есть цвет и фактура – эта живописная сущность, но эта сущность всегда убивалась сюжетом. Живописцы должны бросить сюжет и вещи, если хотят быть чистыми живописцами”.
Так же, как и в вопросе восприятия обществом поэтов-футуристов, модернистская теория супрематизма вызвала самые противоречивые отклики среди современников. Многие художники и критики считали, что идейно-образному искусству Малевич противопоставил механическое, внеобразное формотворчество. “Формотворчество” Малевича ставило под сомнение проблемы, которые были столь дороги русскому национальному искусству реалистов.
“Настояны судьбой филоновские соты…” Так Андрей Вознесенский выразил мысль о воздействии на него творчества художника Павла Николаевича Филонова (1883-1941). В 1910 году он сблизился с группой “Гилея”, в которую входили В. Маяковский, В. Хлебников, А. Крученых. В творческом методе художника переплелись примитив, реализм и абстрактная форма. По утверждению Филонова, мир есть движение, и аналитическое искусство передает формы предметов в состоянии “органического роста”. Формы состоят из “атомов и молекул”, и живопись должна это передать. Именно поэтому художник писал большие полотна маленькой кистью, чтобы и самую ничтожную, величиной с иголочный укол, почти невидимую часть природы увидеть и сработать на диво. Он страшится, что большой кистью смахнет эту наиважнейшую кроху. Ведь и она – “единица действия”.
“Не так интересны штаны, сапоги, пиджак или лицо человека, как интересно явление мышления с его процессами в голове этого человека или то, как бьет кровь в ее шее через щитовидную железу…”. В стремлении постичь круговращение внутренней жизни в организме усматривали предвосхищение достижений науки бионики.
Художник кистью нацеливается на точку атома. “Каждый атом должен быть сделан”. Его картины, действительно, воспринимаются как состоящие из маленьких кусочков, из “сотов”. Филонов говорит о “сделанности” вещи как о ее главном мериле – в противовес интуиции и вдохновению. Разум и высокий профессионализм. Рассчитать и все превосходно сделать (см. приложение №5).
Конечно же, художник умел великолепно изображать и штаны, и сапоги, и пиджак, о чем свидетельствуют работы, написанные в лучших традициях реалистической живописи рубежа веков. Но главенствует постулат: “Интересен не только циферблат, а механизм и ход часов…”
Каждый человек – это целый мир, а творческая личность – в особенности. Сопоставляя развитие двух явлений русской культуры рубежа веков, часто думала об этом. И, совершая путешествие во времени, ощущая себя человеком 21 века, невольно задавалась вопросом: “Изжил ли себя русский модернизм окончательно или у него по-прежнему есть приверженцы? В каких формах он воплощается и чем является сегодня – обретением или еще большей потерей?” В поисках ответов на эти вопросы я открыла для себя человека, в котором удивительно гармонично соединился дар поэта и художника. Это Вадим Сидур (1924-1986). Многие его скульптурные работы давно уже установлены в различных городах и странах мира, Европы и Америки.
Стихи Вадима Сидура, как и все, что он делал, отмечены печатью его дарования, они являют нам личность глубоко обаятельную и значительную.
Всю ночь мне снилось
Самое важное
Значительное
Объясняющее
Зачем жил
Почему родился
Я наслаждался
Ясностью и простотой
Истины
Проснулся
Ничего не мог вспомнить
Понял
Больше никогда не узнаю
Смысла
Прожитой мною жизни
Я раздавлен
Непомерной тяжестью ответственности
Никем на меня не возложенной
Ничего не могу предложить человечеству
Для спасения
Остаётся застыть
Превратиться в бронзовую скульптуру
И стать навсегда
Безмолвным
Взывающим
Я цветок осенний
Последний
Меня почти не осталось
Кричу ЗАЩИТИТЕ
Занесите в КРАСНУЮ КНИГУ
В ответ слышу
ЛЮДЕЙ НЕ СПАСАЕМ
Бережем РЕЛИКТОВУЮ РЫБУ
Вряд ли столь важным является то, в какой именно поэтической манере написаны эти стихи. Главное, что в центре модели его мира стоит человек с глубинными, наиважнейшими проблемами бытия.
Что же касается его таланта скульптора, то к авангарду в творчестве художник пришел, пожалуй, интуитивно, так как теоретические манифесты русского авангарда в душе его не отозвались никак.
Приметы современного стиля, современного языка искусства всегда незримо присутствуют в самом воздухе века, эпохи, и подлинные художники черпают их непосредственно из него – отсюда и некоторая стилистическая общность в открытиях, почти одновременно совершаемых мастерами, проживающими в разных концах нашей планеты и часто не ведающим о существовании друг друга.
“Возможно, - говорил Сидур, - именно отсутствие информации заставило меня самостоятельно совершить многие формальные открытия в искусстве, которые, таким образом, стали моими кровными, помогло мне сложиться как художнику и стать тем, что я есть…”
Творчество Вадима Сидура – одно из замечательных явлений культуры 20 столетия (см. приложение №6)
Случалось ли вам встречать произведения искусства, имеющие одинаковые названия? А если между временем их создания пролегло более четырех столетий?! Что это? Случайность? В процессе работы над темой мне посчастливилось встретиться с таким явлением, и это стало для меня настоящим открытием. Как-то, просматривая журналы “Юность” конца 80-ых годов, обратила внимание на статью о творческом объединении тушинских художников “Круговая порука”. Меня заинтересовало то, что членов группы объединяет глубокий интерес к традициям русского авангарда 10 – 20-ых годов 20 века. Художники считают, что русский авангард не исчерпал себя, а лишь приоткрыл перед творцом новые горизонты, лишь наметил немыслимые доселе пути развития. Кандинский, Малевич, Филонов, Матюшин, Родченко, Ларионов, Гончарова, примитив, аналитическое искусство, супрематизм, беспредметное искусство – вот круг интересов членов группы.
Но более всего удивило не это, а репродукция картины одного из художников с названием “Святой Себастьян”. Сразу же возникла аналогия с одноименной картиной Тициана 1570 года (см. приложение №7, 8). Со своей находкой прихожу к ребятам на урок и уже вместе с ними пытаюсь ответить на вопросы: “Удалось ли художнику 20 столетия в столь нетрадиционной форме передать содержание, донести идею одного из знаменитых полотен эпохи Ренессанса? В чем сходство двух картин? Как современный художник создает образ мученика? Что оказалось утраченным?” Конечно же, перед таким серьезным разговором необходимо дать краткий комментарий к картине Тициана. Не стану уверять, что ответы на столь серьезные вопросы даются легко, и не считаю, что в этой беседе обязательно должна родиться истина. Зато твердо убеждена в том, что главное на уроке – это работа мысли. Увиденное впечатляет ребят. Во всяком случае, они удивлены, и именно чувство удивления становится отправной точкой для начала обсуждения. Вот к каким соображениям приходим мы в ходе коллективной работы.
Конечно же, с помощью нетрадиционной формы художник воплотил образ главного героя в конгломерате мышц, занимающем почти всю картину. В своеобразных дротиках, впившихся в мышцы, можно угадать стрелы, пронзившие тело мученика на картине Тициана. Самый главный вопрос в нашем обсуждении: “Что не смог передать художник в современной форме?” И приходим к выводу. Образ Святого Себастьяна у Тициана – воплощение страдания. Нетрадиционная форма не дала возможности художнику выразить то, что составляет идейный стержень картины. Эта мысль заставляет нас вернуться к оценке модернистских течений в поэзии: чрезмерное увлечение формой ведет к потере содержательности в искусстве.
Подобные параллели можно провести также на примере сопоставления известной картины великого Рембрандта “Сусанна и старцы” и картины художника Валерия Боброва с одноименным названием, созданной в 1945 году.
Работа с произведениями искусства – открывает необозримые горизонты для творчества учителя и вызывают живой интерес у учащихся, помогают в изучении литературных произведений. Приобщать к прекрасному своих учеников я начинаю уже с 5-го класса. Как человек, пишущий стихи ,нередко делюсь с ними своим творчеством. .
В заключение хочу подчеркнуть, что использовать произведения искусства следует не только умело, но и с некоторой долей осторожности. Следует помнить, что при всех своих достоинствах произведения изобразительного искусства и музыка все-таки играют вспомогательную роль на уроке и далеко не каждая тема дает возможность их использовать. Нельзя забывать о том, что ранее должно произойти потрясение души художественным словом. А если слову поможет живопись и музыка, тогда оно состоится и раньше, и глубже в душу проникнет. Ведь в самом ребенке работает энергия здоровых духовных сил, и она обязательно откликнется.
Самый важный период формирования идеала – старшие классы. В них уже нет уроков музыки и изобразительного искусства. Не пытаясь восполнить этот пробел, мы духовно обедняем наших учащихся, лишаем их возможности познать глубже (средствами искусства) красоту окружающего мира, а, по мнению В.А. Сухомлинского, “красота – это средство воспитания чуткой совести”.
Библиография
- “Межпредметные связи при изучении литературы в школе”. Е.Н. Колокольцев, А.В. Дановский, М А. Дмитриева и др.; Под ред. Е.Н. Колокольцева. – М.: Просвещение, 1990 г.
- “Конспекты уроков для учителя литературы. 11-й класс. Серебряный век русской поэзии”. Под ред. Л.Г. Максидоновой: В 2 ч. – М.: Гуманит. изд. центр ВЛАДОС, 1999. – Ч. 1. (серия “Методическая лаборатория”).
- Ж. “Юность”, 1988 г. №11
- Ж. “Юность”, 1989 г.
- Ж “Юность”, 1990 г.
- Л.Д. Любимов. “Искусство Западной Европы: Сред. Века. Возрождение в Италии”. Книга для чтения. – 2-е изд., испр. и доп. – М.: Просвещение, 1982 г.
- “Сокровища мирового искусства”. Под ред. Л.Н. Акимовой. Отпечатано в Европе.
- Александров В.Н. “История русского искусства”. Краткий справочник школьника. – Харвест, 2004 г.