Общеизвестно, что все лучшие достижения современности, где бы они ни были совершены: в науке, искусстве, социальной сфере, должны как можно скорее находить свое адекватное отражение в профильном учебном процессе, причем как в методической его сфере, так и непосредственно в практических занятиях. Только таким образом может быть обеспечена наиболее органичная взаимосвязь и преемственность знаний, обретенных разными поколениями. Музыка не является здесь исключением.
Начиная с прошлого века музыкальное искусство развивается подобно фейерверку разнообразнейших открытий: и безусловно новаторских и являющихся реминисценциями уже некогда существовавшего. Именно такое удивительное многообразие стилей и приемов современности и является одной из важнейших причин, по которой их скорейшее проникновение в учебный процесс представляется особенно значимым. Причем, возможно это на самых ранних этапах – в ДМШ, ДШИ, а также других заведениях аналогичного типа.
Однако, на практике дело обстоит совсем не просто... Вхождение в традиционный школьный репертуар современных композиций (хотя бы даже и 100-й давности!) чрезвычайно затруднено по разным причинам, в частности, по вполне объективной причине – их исполнительской сложности. В итоге яркие новаторские достижения в большинстве своем так и остаются изолированными от процесса детского обучения.
В рамках данной статьи мы попробуем показать, что разумное и творческое внедрение элементов современного музыкального языка не только целесообразно, но иногда и необходимо для решения некоторых задач в рамках традиционного учебного процесса.
Конечно, лучше всего для практического освоения современных приемов подходит работа в классе “Музыкальной композиции” – преподавателям этого предмета и посвящен в большей степени этот материал. Однако, в связи с тем, что во многих школах этот факультет, к огромному сожалению, отсутствует, приемы работы, изложенные в данной статье могут быть использованы педагогами как специальных, так и теоретических дисциплин. Надеемся, что некоторые методические разработки, обсуждаемые здесь помогут им в работе с детьми, интересующимися сочинением музыки, импровизацией и вообще – склонными к фантазированию.
Как это ни покажется на первый взгляд странным, но именно в младших классах современные элементы письма могут оказать просто неоценимую помощь педагогу. Хорошо известно, что период тяжелого освоения ребенком основ классической музыкальной грамоты затягивается на несколько лет, а тем не менее нам необходимо, чтобы творчески мыслящий ученик мог выразить свои фантазии в звуках и закрепить их в нотной записи, пусть даже и схематической... Ведь для ребенка возможность увидеть реальные результаты своего творчества является огромной радостью.
Начнем с конкретных примеров.
Начало обучения – классическое знакомство с инструментом. Оно начинается примерно одинаково у каждого преподавателя: мы пытаемся продемонстрировать красоту тембра, задействовать максимально широкий диапазон, показать штрихи, в общем все, что может заинтересовать своей красотой и образностью. Так, знакомство с фортепиано начинается обычно с представления низких регистров, скажем, как шагов медведя-великана, а верхних – как щебета птичек и т. д. Диапазон образов, в основном, очень стеснен. И ограничен он именно потому, что педагог часто выжидает формирования классически правильной постановки руки у своего ученика, правильного способа звукоизвлечения вместо того, чтобы начать фантазировать вместе с ребенком, импровизировать с ним на различные сюжетные сценки. В результате чего именно начальный период может надолго остановить творческое развитие ребенка, так как поглощенность манерой исполнения, постоянное слежение за осанкой и расположением рук не может не быть противоестественным для талантливого непоседливого малыша. Дети всегда охотно акцентируют свое внимание на сути музыкального действа, на его образности, на сюжете, а не на технических деталях его реализации. Анализ – эта прерогатива более зрелого возраста, эта чисто абстрактная умственная операция, вовсе не свойственная интуитивному, образному детскому восприятию мира.
Как же мы можем пойти на встречу фантазии ученика и какие мы можем предложить ему адекватные для его возраста способы творческого выражения?
Знакомство со звучанием регистров инструмента можно превратить в целый спектакль, представив каждый регистр сразу в нескольких видах фактуры.
Например, это могут быть шаги Великана, которые можно исполнять не только одним звуком, но и чисто современным сонористическим аккордом – кластером, просто кладя всю левую руку на клавиатуру. Сразу же в нотах можно превратить традиционную запись кластера прямоугольником в настоящий сапог великана! Далее можно представить его встречу, скажем с маленькой птичкой... И разыграть сюжет их знакомства. Динамика и штрихи должны проставляться сразу же, неотрывно от обсуждения музыкального образа.
Возможно кто-то из детей захочет нарисовать дома картину на этот сюжет.
Приложение 1_ Маша Мищерина. 2 класс. Встреча Великана и Маленькой Птички. JPG
Далее, одна из “эмблем” современности, являющаяся, кстати, абсолютной реминисценцией старинной музыки – нетактовая нотация. Ее огромные преимущества необходимо использовать на протяжении всего обучения. Проанализировав следующий пример, думается, сразу станет понятным ненужность и обременительность в нем использования стандартных тактов: вместо них здесь использованы только условные галочки-дыхания и пунктирные линии (естественно, что нотация размера в таких случаях тоже не нужна):
Следующим важным приемом из арсенала современной музыки является возможность повторения музыки без ее тщательной выписки, что, естественно, очень важно для маленького ребенка. И вместо того, чтобы потерять все силы на подробной записи арпеджио, можно просто заключить его в алеаторический квадрат и указать протяженность повторения волнистой линией.
На инструментах с возможной большой протяженностью звука (струнные, духовые) можно даже не выписывать точную длину звука, интервала или аккорда, а можно выразить их графическим образом (красным в примере выделена протяженность):
Кстати, эти приемы работы были выведены автором из наблюдения над собственными записями детей. Как вы увидите в следующих приложениях, там нет ни тактовых черт, ни четкой протяженности звуков, а только их общая вертикальная координация. Приложение 2
Более того, для формирования активного воображения ученика очень важным является такой подбор графических элементов, который максимально четко соответствовал бы замыслу сочинения: например, для изображения падающих снежинок можно использовать не ноты на четкой высоте, а просто графический элемент – снежинки, для дождя – капельки, для грома – молнии и так далее ...
Итак, в целях развития фантазии учащихся, облегчения процесса нотной записи, открывающего возможности для свободного сочинения и импровизации предлагается введение “ОБРАЗНОЙ СИСТЕМЫ НОТАЦИИ”, основным элементом которой является художественная графика.
Использование такой нотации имеет еще одно важное с психологической точки зрения преимущество: сохранение возможностей для дальнейшей импровизации на этот же сюжет. Ведь хорошо известно, что ребенок, любящий импровизировать и фантазировать на инструменте, никогда не сможет точно повторить только что сыгранное. Такой же вид записи оставляет для него и вас возможность импровизировать на этот сюжет множество раз.
Хочу подчеркнуть однако, что этот способ “образной нотации” должен использоваться только наряду с формированием навыков классической записи, отнюдь не отменяя, а лишь дополняя их. В противном случае сочинение музыки может превратиться в рисование картин, что является прерогативой совершенно иных дисциплин.
Одной из основ предлагаемой образной графической нотации является векторный способ оформления музыкального материала. Вектор позволяет нам задать направление и длину музыкального фрагмента, его графический облик без привязки к конкретному звуковому наполнению. Какие это открывает перед нами перспективы? Огромные.
Именно благодаря вектору вовсе не обязательно окончательно фиксировать ноты пассажа или мелодии, не нуждающиеся в этой фиксации (например, в случае, если композитор все время импровизирует в этом фрагменте, либо вообще отдает конкретность содержания на волю исполнителя). Здесь можно лишь графически отобразить направление и характер движения музыки, постараться добиться максимально выразительного графического решения (поможет использование не только сплошных, но и пунктирных линий, тонких и утолщенных, одинарных и двойных, параллельных и расходящихся, прямых и волнообразных, различных цветов и т. д. ). При этом обязательно сразу же проставить с учеником динамику, темп, штрихи – все они помогают фиксировать необходимую экспрессию музыки. Задачей векторной графики является отражение музыкального облика, если так можно выразиться – музыкального портрета чисто художественными способами.
Вообще же, возможности векторной и вообще образно-графической нотографии огромны и это доказывается частым присутствием ее в истории музыкальной культуры. Для пояснения сделаем небольшой экскурс в историю.
Приведенные ниже примеры блистательно демонстрируют преемственность методов композиции на протяжении многих веков. Как вы увидите, и в старинных и в современных нотациях используется именно метод приблизительной звуковой фиксации с указанием общей графики, можно сказать – художественной экспрессии движения.
Образец средневекового северофранцузского невменного письма
София Губайдулина. Танцовщик на канате
Сергей Слонимский. Колористическая фантазия для ф-но
Примечание. В Фантазии Слонимского классический нотный стан ф-но расширен до трех строк, где средняя – партия струны (a corde). Цифры в скобках партии струны над или под зигзагообразными линиями означают аппликатуру: (54321) или (4321). Dare in colpo переводится как “издавать удар”. Хотим обратить ваше внимание на то, что тактовая нотация только затруднила бы восприятие этой музыки, в связи с чем композитор использует цифровую разметку.
Подводя итоги данной сравнительной характеристики приведем самый красноречивый, на наш взгляд, пример – фрагмент знаменного распева:
Используя образно-графическую нотацию необходимо также помнить об огромных возможностях свободной ритмической нотации, распространенных в старинной музыке и возрожденных в современной. В частности, для работы с детьми могут оказать неоценимую помощь глиссандирующие ритмические фигуры, выражающие постепенные изменения длительностей:
Эти ритмические рисунки могут пригодиться для отображения, скажем, постепенно ускоряющегося или замедляющегося дождя, стука копыт, шагов и т. д.
Очень важны и в выразительном и в конструктивном отношении ритмические формулы, ритмические прогрессии, модусы длительностей, примеры использования которых мы также наблюдаем во всей истории музыкального развития.
Далее, следующим нашим шагом в освоении образно-графической нотации может стать формирование собственного стиля записи каждого ученика, его нотно-графического музыкального языка. В современной музыке уже стало традицией формирование собственного, индивидуализированного композиторского стиля, выражающегося не только в излюбленных мелодико-гармонических оборотах, в выборе тембров своих сочинений, но и в выборе способов записи своей музыки, в создании собственной “азбуки” или “словаря” музыкального текста.
Эту же возможность мы может использовать и при работе с нашими учениками: создать свой словарь нотно-графических символов, наиболее эффективно и эстетично воплощающих музыкальные замыслы конкретного ученика.
Ниже приводим базовую таблицу примерных символов, которые может использовать учащийся совместно с педагогом при создании своего нотно-графического языка. Еще раз подчеркнем, что это только основа, своеобразная идея для размышлений, отталкиваясь от которой можно составить образ именно той символики, которая максимально органично подходит именно вашему конкретному ученику:
Использование такой символики в сочетании с внетактовой нотацией позволяет нам реализовать самые смелые и насыщенные образные музыкальные конструкции.
Представим себе только, насколько сложна была бы, а главное – бесцельна запись классическим способом следующего произведения:
Еще раз подчеркнем, что навыки свободной записи должны органично совмещаться с процессом обучения классической нотации и в целях этого должны непрерывно контролироваться педагогом. Употреблять оба способа необходимо там, где это представляется наиболее целесообразным.
В следующем примере из сочинения под названием “Параллель” Димы Дьяконова, сочиненное им в 4-м классе, сосуществуют параллельно как строго нотированная, так и свободная графика, регламентирующая зоны импровизации.
Далее, после того как мы определились со средствами записи творческих идей наших учеников, следующим логическим этапом в формировании их музыкальной индивидуальности является работа над гармоническим разнообразием их сочинений. Не будем скрывать того, что редко кто из учеников изначально обладает способностью к гармоническому богатству и фантазии. Секрет этого кроется опять же в их малом знакомстве со старинной и современной, а также фольклорной музыкой. Вращение же их в материале классики неизбежно ограничивает их в лучшем случае несколькими созвучиями, из которых чаще всего встречаются трезвучия, редко когда секстаккорды и изредка – септаккорды.
Однако, как показывает практика, этот недостаток легко устраним и даже в рамках одного занятия.
Для раскрытия творческого гармонического потенциала ученика существует очень эффективный метод создания предварительной гармонической основы сочинения, являющейся одновременно и его образной, идейной основой.
Принцип этого метода состоит в следующем: вы просите ученика создать “необычный аккорд” (как правило 4-х – 6-тизвучный). Составляется же этот аккорд так: взяв ноту баса, вслушиваясь в нее, ученик должен добирать к ней понравившиеся ему звуки от баса наверх. Звуки набираются чисто интуитивно, без обсуждения, что получается: секстаккорд или что-либо еще. Важнейшим моментом является то, что звуки в большинстве своем не должны повторяться, что служит залогом того, что у вас опять не получится пресловутое трезвучие. Итак, ребенок набрал звуки и удерживает их в аккорде. В это время вы их ему записываете.
Следующий этап вашей совместной работы – необходимо дать образную характеристику полученному созвучию. Ее нужно зафиксировать в названии каждого аккорда: это может быть и настроение и название животного, человека, растения, все что угодно.
Далее, определившись в образном решении данного созвучия необходимо начать поиск того, в каких регистрах и в каком фактурном одеянии он прозвучит наиболее красиво. Так, “аккорд-осколок” конечно же прекрасно прозвучит акцентом в высоком регистре, для “угрозы” больше подойдет низкий регистр, возможно – пунктирный ритм и усиливающаяся динамика.
И хотя этот метод отчасти используется в некоторых курсах гармонии (в частности, Ю. Н. Холопова и Д. И. Шульгина), но с его применением именно в области детской композиции автор статьи столкнулась на мастер-классах композитора, профессора Московской государственной консерватории Татьяны Алексеевны Чудовой, имеющей многолетний опыт работы как с самыми маленькими детьми, так и со взрослыми. В случае всех возрастов этот прием доказал свою безусловную эффективность.
На базе этого метода можно получить очень интересные в гармоническом отношении произведения, благодаря чему и их образность получает при таких условиях как бы дополнительный стимул. Вот пример создания целого фантастического произведения на основе лишь нескольких аккордов-схем:
Следующие гармонии были созданы учеником 4 класса Дмитрием Дьяконовым и послужили основой даже не одного, а нескольких его сочинений:
Работая над разнообразием гармонического материала наших учеников, мы неизбежно приходим к необходимости нахождения наиболее подходящей для каждого созданного материала и образного замысла техники музыкального письма.
И здесь нам на помощь приходит опять же опыт современной композиции, сочетающей как новые, так и уже некогда использовавшиеся техники композиции: и модальную (так называемую звукорядную) и тональную, сонорную, алеаторическую, серийную.
Более подробно со всеми названными техниками письма в скором времени можно будет ознакомиться в готовящемся к изданию авторском учебном пособии по музыкальной композиции. Здесь же, будучи ограниченной рамками статьи, хочу указать только на то, что все названные техники письма могут принимать полноправное участие в детском учебном процессе.
Возьмем в качестве примера самую сложную, на первый взгляд, из перечисленных техник – серийную.
Многим покажется удивительным, но заниматься ею можно с самых первых классов, конечно, связывая ее использование с решением насущных творческих задач ребенка:
А вот пример серийной работы уже взрослого ученика: в сочинении используются разно-жанровые приемы перевоплощений серии (вальс, марш и скерцо). При этом отдельные формы серии могут мутировать, то есть переходить одни в другие.
Следует также учитывать возможности современных мультимедийных технологий: в частности, ресурсы современной компьютерной музыки в электронной инструментовке.
Благодаря ей можно превратить стандартное “фортепианное” сочинение ученика в настоящую многоцветно-тембровую композицию: ведь всем хорошо известно, что возможности исполнить в тембрах какое-либо произведение в школе очень ограничены. Тем более, что привлечение нестандартных тембров синтезаторов и компьютеров (таких как шум ветра, топот копыт, гудок поезда и т.д.) дает нам дополнительные возможности для создания необычных в сюжетно-тембровом отношении музыкальных композиций. Вот фрагменты сочинений, никогда не состоявшихся бы без использования электронных тембров:
Приложение 5_“Надежда и человек” Дмитрия Дьяконова (2 класс). MP3
Приложение 6_ “Туча и ветер” Дарьи Соломоновой (1 класс). MP3
Приложение 7_ “Танец китайских Чашечки, Блюдечки и Чайника” Дарьи Соломоновой. MP3
Приложение 8_ “Музыкальная шутка: весело-грустно” Таисии Аносовой (2 класс). MP3
В заключение хочется сказать, что кто-то из педагогов, возможно, даже рад тому факту, что современная музыка практически отсутствует в школьной программе, считая ее “вызовом и оскорблением” непреходящей красоте классики. Однако, думается, что беспристрастная оценка творчества любой эпохи покажет нам, что в каждой из них были как эстетически-прекрасные, так и безобразные эксперименты в области искусства, ни в коей мере не мешающие нам сегодня наслаждаться первыми. Главным же и неоспоримым достоинством современной музыки является ее разнонаправленность, открытость не только инновационным технологиям (компьютерная, электронная композиция), но и всем ранее существовавшим стилям. Избегая современности, мы лишаем своих учеников связи с огромным количеством направлений, составляющих сокровищницу многовековой музыкальной культуры человечества. Вместе с тем мы лишаем друг друга всех тех способов выражения музыкальных мыслей, которые были приобретены многовековыми исканиями музыкантов прошлого и которые нельзя заменить одним лишь строем классической гармонии.
В конце разговора приведем один замечательный и очень символичный, на наш взгляд, пример – произведение S.Bussotti, повествующее о рождении новой человеческой жизни…
