Что такое картина? Такое изображение действительного факта или вымысла художника, в котором в одном заключается все для того, чтобы зритель понял, в чем дело; чтобы было начало и конец и чтобы для объяснения одного холста не надобно было бы другого.
И.Н. Крамской.
Возможности станковой (самостоятельной, не связанной с архитектурой) тематической картины безграничны. Она может быть очень больших размеров и миниатюрной, рассказывать о крупнейших исторических событиях и изображать забавную бытовую сценку. Это вид живописи, который наиболее полно и многогранно отражает действительность. В тематическую картину в качестве её составных частей могут быть включены и натюрморт, и пейзаж, и интерьер, и портретное изображение людей.
В зависимости от содержания тематические картины делят на исторические, посвященные событиям прошлого, батальные, отображающие сцены войн, битв, походов, и бытовые, в которых художник показывает повседневные явления современной ему жизни.
Картина обобщает многие жизненные впечатления художника. Она возникает на основе большого подготовительного труда. Вы уже знаете, что часто живописец в ходе своей работы исполняет десятки этюдов и эскизов. Иногда этюды и эскизы (например, этюды А.А.Иванова к его картине “Явление Христа народу”, 1837-1857) уже сами по себе являются высокохудожественными произведениями. Но в этюде, исполняемом непосредственно с натуры, может быть много случайного, несущественного. Картина же-итог творчества живописца, вывод из его наблюдений, раздумий, поисков. Поэтому она должна представлять собой продуманный и законченный художественный образ.
Замечательного расцвета достигло искусство тематической картины в русской живописи второй половины ХIХ века. Этот расцвет был связан с широким демократическим движением в русском обществе, с подъёмом революционной борьбы народа против царского самодержавия. Передовые художники этого времени стремились своим творчеством служить народу, клеймили зло и несправедливость, возвеличивали народных героев и тем самым призывали к борьбе против угнетателей.
В начале 1870-х годов эти художники организовали Товарищество передвижных художественных выставок. Выставки Товарищества передвигались из города в город, и за небольшую плату, а часто и вовсе бесплатно, люди могли увидеть замечательные произведения живописи и скульптуры. Искусство переставало быть достоянием избранных любителей, становилось доступным для трудовых людей.
Выдающиеся русские мастера тематической картины - В.Г. Перов, Н.Н. Ге, Н.А. Ярошенко, и особенно, И.Е. Репин и В.И. Суриков. Мы уже отмечали мастерство Репина на примере его картины “Не ждали”(1884-1889). Различные характеры людей и их психологические состояния, превосходно показанные художником, позволили ему передать всю сложность изображенного события, раскрыть его идейный смысл. Это произведение вдохновило многих лучших людей России на революционную борьбу за счастье народа.
В исторической картине В.И. Сурикова “Боярыня Морозова”(1887) нас ещё больше поражает многообразие человеческих характеров и типов. Здесь и сама Морозова, и множество других людей, по-разному относящихся к происходящему событию. Здесь лица сочувственные: в одних читается тревога, в других – сострадание, в третьих – печальное смирение, и лица безразличные, насмешливые, любопытствующие, и лица суровые, задумчивые.
Картина – словно единый многоголосый хор, в котором звучат и голоса страстной мольбы, и возгласы отчаяния, и выкрики угроз, и вздохи сочувствия, и всплески злорадного смеха. Всё это сложное переплетение человеческих страстей выражает борьбу, происходившую в самой жизни.
Чтобы понять картину, нужно знать о тех событиях, которым она посвящена. Боярыня Морозова была видной раскольницей. Раскол – это религиозное движение, распространившееся на Руси в XYII веке. В то время крепнущее царское самодержавие начинало вводить “новые порядки”, многое заимствуя из опыта заграничных государств. Эти изменения и нововведения коснулись и церкви. Раскольники были яростными защитниками старины, они боролись за сохранение отсталых обычаев. Но в движении раскола принимала участие беднота. Бедным казалось, что, борясь за сохранение старого, они отстаивают своё, родное, против иноземного “немецкого”. Поскольку новые порядки вводились сверху, от имени царя и поддерживающей его церкви, то раскольники стихийно выступали и против усиливающегося гнёта самодержавия.
Федосья Прокопьевна Морозова была человеком сильного характера. Она много помогала неимущему люду, больным и несчастным, и поэтому её любили простые люди из народа. По указу царя Морозову сослали в монастырь и заключили в острог, где она и погибла.
Суриков рассказал о судьбе Морозовой, как о событии большого масштаба, как о народной драме. Именно народ – во всём его многообразии – подлинный герой суриковской картины. Для того, чтобы передать размах события, Суриков взял тот момент из жизни Морозовой, когда её, закованную в кандалы и брошенную в сани, провозят по многолюдным улицам Москвы. Царь и его слуги надеялись таким образом публично опозорить знаменитую раскольницу. Но этого не произошло. Замышляемое властью осмеяние боярыни-раскольницы стало поводом для выражения чувств народных, для столкновения человеческих страстей.
Художественные возможности исторической картины очень богаты, и Суриков использовал их мастерски. В толпе мы видим людей разных возрастов и сословий, разного душевного склада. Посмотрите, ни одно лицо не похоже на другое, у каждого свое выражение. А как многообразны и не похожи друг на друга жесты людей! Сколько призывной силы во вскинутой руке Морозовой, поднимающей вверх два пальца, - символ старой веры (раскольники крестились двумя пальцами – перстами, как говорили в в старину). Ей отвечает своим двуперстием юродивый. За санями, увозящими боярыню – заступницу, тянется рука нищенки, словно повисшая в воздухе. Спокойно и крепко сжимают посох руки странника. Руки молодой боярышни печально опустились. Рядом с ней растерянно скрестила руки на груди другая молодая женщина, а у старухи, подле неё, свой особый привычный горестный жест, много перенёсшего в жизни человека. Жесты изображенных людей красноречиво выражают их душевное состояние, их отношение к происходящему.
Вы уже, наверное, заметили, что художник в своей картине изображает рядом резко отличающиеся друг от друга типы и характеры, он использует противопоставления или, как мы говорим, контрасты. Контраст – это величайшее средство выразительности в искусстве. Особыми возможностями и в противопоставлении различных человеческих образов располагает тематическая картина. Это отметил еще Леонардо да Винчи – великий художник Итальянского Возрождения. Он писал: “В исторических сюжетах следует смешивать по соседству прямые противоположности, чтобы в сопоставлении усилить одно другим, и тем больше, чем они будут ближе, то есть безобразный по соседству с прекрасным, большой с малым, старый с молодым, сильный со слабым, и так следует разнообразить, насколько это только возможно”.
Обратите внимание на особенно яркие контрасты в суриковской картине. С грустной покорностью склонила свою голову красивая боярышня в жёлтом платке и синей шубке. А выглядывающее из-за её плеча лицо монашенки выдаёт, напротив, страстную непокорность характера. Рядом с бледным трагическим лицом Морозовой мы видим ехидную физиономию возницы и глупо смеющееся лицо мальчишки.
Контраст использован и в композиции картины. Суриков очень долго добивался того, чтобы сани в его картине “поехали”. Стоящая толпа и движущиеся сани – противопоставление, имеющее глубокий смысл. Боярыня Морозова как бы обращается с призывом к народу. Народ сочувствует ей и всё же не может за ней пойти. Сани с боярыней уедут, а народ, добрый, отзывчивый, мечтающий о справедливости и не знающий, где её найти, останется. Этим художник подчёркивает ту мысль, что главный герой картины – народ, а не отдельная личность, как бы сильна она не была.
Композиционное противопоставление усиливается и колоритом. В цветовом решении толпы много ярких красок. Одежды горожанок расшиты богатыми узорами. Даже передок и дуга саней расписаны. Художник словно любуется всей этой праздничной красотой, в которой выразилась мечта народа о радостной, светлой жизни. Только боярыня Морозова одета во всё чёрное. Подчёркнутый белизной снега чёрный цвет её шубы контрастирует с нарядной яркостью одежд толпы. Он настраивает нас на суровый лад, создаёт ощущение драмы. Попробуйте мысленно “ переодеть” неистовую раскольницу во что-нибудь яркое, пёстрое, и вы почувствуете, что драматический строй картины нарушится.
Замечательное произведение Сурикова богато, как сама жизнь. В нём без конца можно находить новые сопоставления, новые оттенки мыслей и чувств. Но всё многообразие суриковской картины не нарушает её целостности. “Боярыня Морозова – единый художественный образ”.
Теперь обратимся к порядку работы автора над полотном. Художник начал с эскиза, где намечена композиция и достаточно подробно изображены главные герои картины. Первый эскиз Суриков сделал еще в 1881 году, а непосредственную работу над картиной начал лишь три года спустя. За последующие два года он выполнил более тридцати карандашных и акварельных эскизов в поисках наиболее выразительного решения. Вы только представьте себе - тридцать раз переделывать и изменять не детали, а основу замысла!
От эскиза к эскизу он менял направление движения дровен (они шли фронтально, под разными углами влево, а на одном из эскизов – вправо), менял положение фигуры Морозовой. В первом эскизе она сидела на возвышении, а в картине изображена на соломе; в эскизе подняла левую руку, а в картине – правую; исключал или, напротив, добавлял людей в толпе. Все это говорит о редкой углубленности работы Сурикова, который в процессе создания картины не только стремился к изобразительному совершенству, но и уточнял свое понимание события, а главное – выстраивал идейно-смысловое содержание произведения. Например, в первых эскизах художник изобразил Морозову, которая жестом протянутой руки с двуперстием как бы обращается к царю (его палаты были изображены справа). Получалось, что народ – лишь фон столкновения между Морозовой и царем. А началом такой трактовки события послужила исторически достоверная деталь. Арестованных в то время возили в санях на специальном возвышении (“стуле”), и боярыня изобразительно оказалась как бы в отрыве от стоящего внизу народа. Позже у Сурикова появилась мысль связать Морозову не с царем, а с народом. Именно для этого он и посадил боярыню прямо на солому, что позволило включить ее в самую гущу народа. Она обращается не к царю, а к людям, ее рука становится символом старой веры, знамением, которое она дает народу. Соединение образа Морозовой с образом народной толпы придало картине неизмеримо большую глубину и значительность в сравнении с первыми эскизами.
Кроме эскизов, Суриков исполнил десятки этюдов маслом, акварелью и карандашом. В его работе над картиной наиболее ярко выразился натурный метод. Художник для каждого персонажа искал реальный прототип в жизни, конкретных людей, писал с них этюды и уже по ним изображал фигуру в картине. Иногда быстро находил нужную натуру, чаще на поиски уходило много времени. Он изучал натуру на московских улицах, кладбищах, в церквах и кабаках, но чтобы искать, нужно четко представлять, что тебе нужно.
Редко бывало, чтобы этюд переносился в холст без изменений, потому что найти в жизни точно такого человека, которого Суриков видел внутренним взором, невозможно. Обычно художник, основываясь на этюде, изменял его в других подготовительных рисунках, иногда помногу раз.
Мысли художника как будто просты и понятны. Но когда он писал с натуры снег, сани или тарелку для сбора подаяния, он, безусловно, думал не только о красоте этих вещей, а обязательно о значении их в картине, чем они помогут в выражении народной драмы. Думая о красоте, помнил и трагедию, а думая о трагедии, помнил о красоте. В этом сочетании кроется глубокая черта творческого метода Сурикова. Именно она помогла художнику выразить полноту жизни.
Ничего подобного “Боярыне Морозовой” по глубине проникновения в характер русского народа не было создано в отечественной исторической живописи. До Сурикова и после него у нас было немало прекрасных художников. В некоторых областях творчества они были, несомненно, сильнее и все-таки не могли с ним сравниться. Дело в том, что творчество исторического живописца есть нечто особенное. Кроме обычных способностей и знаний, художник, создавая полотна на темы истории своего народа, должен обладать редким качеством – умением проникать в дух прошлой жизни. Костюмы, виды города и прочие внешние черты можно почерпнуть в музеях и книгах, облик героев увидеть в жизни, но из этого еще не сделать историческую картину. Нужно уметь почувствовать, внутренне ощутить течение давно ушедшей жизни.
Способность органически соединять, казалось бы, противоречивые изобразительные качества значительна в творчестве художника, она принцип, основа в его работе, и потому необходимо сказать о ней подробнее. Странно на первый взгляд увидеть в трагической картине “Боярыня Морозова” такое обилие цвета, рождающего помимо нашего сознания ощущение праздника. Казалось бы, трагедия и праздник мало совместимы, но Суриков решил их соединить и сделал это совсем не случайно. Представьте себе, что художник одел бы толпу в темные, как будто приличест
вующие случаю одежды. Исчез бы контраст между главной героиней и толпой; Морозова потерялась бы в ней, а автору нужно было, чтобы она “всех победила”. Но самой большой ошибкой стало бы нарушение психологической правды. В жизни всегда переплетаются радость и горе, унижение и гордость, слезы и смех. Суриков это отлично понимал. Посмотрите, как он одел людей в толпе: на смеющихся купцах и попах – темные костюмы, а на горюющих, страдающих женщинах – ярчайшие, радостные одежды. Нетрудно сделать вывод: Суриков заботился о контрасте не только между Морозовой и толпой, но и между эмоциональным состоянием и одеждой отдельных персонажей.
Наконец, нельзя забывать еще об одной важной задаче – о декоративном впечатлении от картины. Она должна вызывать наслаждение цветовой гармонией, причем независимо от того, что в ней изображается. Суриков говорил, что он “всю красоту любил”. Понимая ужас публичной смертной казни, он не мог удержаться, чтобы не сказать: “Черный эшафот, красная рубаха (палача) – красота!” “Боярыня Морозова” - трагическое событие, но радостное для глаза.
Горькое унижение Морозовой Суриков превратил в ее героическую славу, а трагический эпизод русской истории преобразил в яркое праздничное действо, тем самым прославив прекрасные качества своего народа. Такие преображения характерны для лучших произведений мирового искусства и, в частности, для древнерусской живописи.
Чудесная способность ощущать прошлую жизнь, волшебное умение проникать в самую ее сердцевину в сочетании с удивительным живописным талантом, жаждой творить, вживаться в сущность каждого героя и понимать, как он поведет себя в том или ином жизненном положении, точное распределение “ролей” массы, чтобы в итоге она составила образ народа, - все это и еще многое другое привело Василия Ивановича Сурикова к блистательному результату: “Боярыней Морозовой” он явил настоящий шедевр русской исторической живописи, свершив творческий подвиг.
С чего же начинается работа над тематической картиной?
Рассуждая с семиклассниками над этим вопросом, приходим к тому, что работа начнется с эскиза – маленького рисунка в размер с ладонь, на котором художник впервые пытается представить себе в видимой форме идею своей будущей картины. Но вряд ли можно ограничиться одним единственным эскизом, их обычно бывает несколько, так как выбранный сюжет может быть выражен многими вариантами. Надо все испробовать и выбрать наиболее выразительное решение, такое, какое свойственно чувству автора, по душе ему самому.
Эскиз найден. Что же дальше? А дальше возникает следующий вопрос: “Что делает картину на историческую тему убедительной, почему мы верим художнику, что действие происходит именно в то, а не другое время?”. Дети находят ответ на этот вопрос – художник должен “окунуться” в историческую эпоху, должен узнать, как одевались люди, каким оружием пользовались, какими предметами быта, как все выглядело … А для этого он по книгам, альбомам делает зарисовки, ходит в исторические музеи: художник изучает материальную культуру времени.
Что же является следующим этапом работы над тематической картиной? И здесь учащиеся тоже умело приходят к выводу: работа над образом главного героя (образами главных героев) картины. Решаются задачи: какой герой, высокий или низкий, полный или худой, как и во что одет, как он держится, жестикулирует.
Начинается работа над портретом – фигурой так же, как и над наброском: определяют место фигуры в листе, намечают основные пропорции и движения фигуры, рисуют обобщенно, без излишней детализации, следят за ценностью образа и выразительностью. Затем переходят к работе кистями: в начале работают широкими кистями, берут основные отношения, а потом переходят к более мелким, детализируя костюм и лицо, но, стремясь при этом сохранить общее впечатление, образ.
При работе над портретом необходимо соблюдать ряд элементарных правил, размещения рисунка головы в заданном формате. Прежде всего, надо следить за отношением размера головы ко всему листу бумаги. Вокруг изображения должно быть достаточно пространства, что бы рисунок получился не очень мелким, но и не крупным. Необходимо учитывать расстояния от верхней и нижней границы изображаемой формы до краев рисунка. Не в коем случае она не должна “подпрыгивать” или “падать” в листе. Лучшее решение, - когда расстояние от нижнего края бумаги до изображения чуть меньше, чем от верхнего. В таком случае рисунок крепко “сидит в листе”, появляется ощущение основательности, устойчивости. Надо постоянно помнить о том, как изобразить человека, который имеет определенный характер с присущей ему мимикой и манерой держатся.
Приступая к практической работе над тематической картиной, необходимо, что бы дети ответили себе на вопрос: где происходит воображаемое действие – на природе (в поле, в лесу, на реке и т.д.), в городе или помещении. Какое это время суток – день, вечер, ночь? Какое небо – покрытое тучами или солнечное? Небо является одной из важнейших частей композиции, оно является ключевой нотой и выражает настроение пейзажа. Небо – источник света.
Учащимся надо понять, что интерьер в картине играет такую же роль, как и пейзаж, - создает настроение, поддерживает образ идею картины. Он может передавать впечатление теплоты и уюта повседневного домашнего бытия или лирическое настроение, или одиночество и трагичность судьбы человека.
Все это создается чисто пластическими средствами – выразительным цветом, нервным ритмом рисунка или плавными композиционными решениями.
Большую роль в передаче эмоционального состояния пейзажной или архитектурной среды играет цветовое решение композиции – колорит.
И вот теперь начинается работа над итоговой композицией, в ходе которой должны быть использованы все знания и умения, полученные в процессе работы над эскизом, портретом героя, природной или архитектурной средой. Опора на работы этих уроков обязательна, ведь этот подготовительный материал не зрительный ряд, а именно рабочий материал.
На композиции юный художник размечает размеры и место основных, а затем и второстепенных частей и деталей своей будущей картины. После разметки он приступает к подготовительному рисунку карандашом. Рисунок должен быть выполнен без сильного нажима и потому может быть обобщенным.
Проанализировав и исправив (если надо) подготовительный рисунок, можно приступить к работе цветом. Выбор техники – гуашь или акварель – зависит, в первую очередь, от идейного содержания картины, от эмоциональной наполненности образа.
В любом случае начинают писать большими кистями, намечая общее отношение, и постепенно переходят к более мелким, прописывая каждую деталь.
На всем протяжении работы над тематической картиной необходим постоянный само контроль и само анализ: что хотел выразить юный художник и дает ли его картина то впечатление, которое он желал.
Итак, тематическая картина готова. И теперь важно проанализировать ее. Учитель играет роль “зрителя” и его анализ должен носить эмоциональный характер. Начинать анализ нужно непременно с личного впечатления и только потом переходить к замечаниям по поводу структуры композиции. Замечания эти должны быть направлены на восстановление общего эмоционального строя картины. Ни в коем случае у детей в результате этого анализирования не должно возникнуть впечатления, что средство композиции есть сама цель. Наоборот, они лишь средство выражения образа.
Обязательно нужно поблагодарить учащихся за работу. Это помогает детям осознать значимость своего труда и активизирует их творческие возможности.